Barren Illusions

Arthur Penn (1922-2010)

2010-09-29T19:59:00.005+02:00

Oggi muore Arthur Penn, uno dei grandi innovatori del cinema e, oggettivamente, tra i più grandi di tutti i tempi. Sperimentatore della slow-motion (Bonnie and Clyde è stato uno dei primi film ad enfatizzare la violenza tramite ralenti), grande tecnico (sempre su B&C "the climactic shoot-out was filmed with four different cameras, all running at different speeds"), esperto connoisseur e regista teatrale, sparisce progressivamente dal mondo del cinema verso metà anni '80, tra teatro e TV - e meritato riposo. I suoi film sono tutti da recuperare, ma sono essenziali oltre a B&C: The Left Handed Gun, western che influenzò Peckinpah e tutta la nuova ondata di post-western anni 1960-1970, Mickey One (ancora inedito), una tesi-noir sul cinema che richiama la New Wave giapponese e francese, Little Big Man, Missouri, Four Friends e lo struggente post-noir Night Moves, con un G. Hackman alla ricerca della propria identità più che quella degli altri. Da tempo inattivo come regista, ma ancora qua e là insegnante e produttore TV, Penn non si lascia comunque nessun rimpianto dietro con una tale carriera, e speriamo che venga ben omaggiato in questi giorni.

Rassegne alla JFROMA 2010

2010-09-25T16:38:00.004+02:00

(Sede istituto: Via Antonio Gramsci 74, 00197, Roma)

Ed eccoci ritrovati, come ogni anno, all'evento più bello dell'anno (altro che Venezia!), la retrospettiva cinematografica dell'istituto! Anche quest'anno tanti titoli interessanti, alcuni fondamentali+un'altra retrospettiva parallela organizzata da un cineclub e patrocinata dall'istituto. Grande sorpresa nel vedere che verrà proiettato anche "il mio" Barren Illusions. Whoa. Ma vediamo il programma della retro organizzata dalla JF e Detour:

La sala cinema dell’Istituto Giapponese di Cultura ospita la serata inaugurale della rassegna Nihon Eiga - Storia del cinema giapponese dal 1970 al 2010, ideata dall’ Associazione Culturale “Cinema Senza Frontiere” negli spazi del Cineclub Detour (Roma, via Urbana 107). La serata prevede una breve introduzione da parte dei curatori e la proiezione di due pellicole di Imamura. Il percorso nella storia del cinema giapponese degli ultimi quarant'anni proseguirà fino a giugno 2011 al Cineclub Detour lungo l’arco di diciotto serate, con ventisette film in programma e l’intervento di studiosi e critici invitati ad approfondire tematiche e autori. In programma film di S. Imamura, S. Tsukamoto, N. Oshima, K. Wakamatsu, K. Kurosawa, T. Miike, S. Kon, H. Miyazaki e molti altri registi di fama internazionale. Tutti i film sono sottotitolati in italiano o in versione italiana. Il calendario completo è disponibile sul sito www.cinedetour.it.

GIOVEDÌ 14 OTTOBRE, ORE 18.30 CA.
STORIA DEL GIAPPONE DEL DOPOGUERRA
RACCONTATA DA UNA BARISTA (Shohei Imamura)
(Nippon sengoshi - Madamu Onboro no seikatsu, 1970,
B/N, 150', sott. italiano)

A SEGUIRE

PERCHE’ NO? (Shohei Imamura)
(Eijanaika, 1981, colore, 151' - 16mm,
Sott. italiano)

Qui il programma del cineclub. Estremamente consigliati, se non obbligatori:

Haze (Tsukamoto)
Barren Illusions (Kurosawa K.)
Millennium Actress (Kon)
Il mio vicino Totoro (Miyazaki)
Hunter in the dark (Gosha)
Violent Cop (Kitano)
Yukoku (Mishima)
Maboroshi (Koreeda)
After Life (Koreeda)
Lotta senza codici d'onore (Fukasaku)
My Neighbours the Yamadas (Takahata)
Angel's Egg (Oshii)

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Questa invece la retro che si terrà interamente all'istituto:
NB. film in versione originale, sottotitoli in inglese

Scenografo, sceneggiatore, regista, Takeo Kimura (1918-2010) inizia la sua carriera nel 1945. Firma la scenografia di oltre 200 film, tra cui alcuni lungometraggi del regista Seijun Suzuki, conosciuto negli anni ’60 presso gli studi della casa di produzione Nikkatsu. Ha lavorato al fianco di altri importanti registi, inclusi Toshio Masuda, Kazuo Kuroki, Kei Kumai e Kaizo Hayashi. A 90 anni debutta alla regia con il film Dreaming Awake (2008). Uomo dai molteplici interessi, scompare il 21 marzo 2010. Lo si ricorda anche come critico, scrittore, pittore, fotografo e insegnante. Oltre al suo film di debutto, la rassegna presenta 7 lungometraggi di grandi registi giapponesi che hanno affidato la direzione della scenografia all’audace spirito visionario di Takeo Kimura.

martedì 19 ottobre e giovedì 18 novembre ore 19.00
THE MISTRESS di Shiro Toyoda
Gan, 1953, B/N, 35mm, 104’

giovedì 21 ottobre e martedì 23 novembre ore 19.00
A HOLE OF MY OWN MAKING di Tomu Uchida
Jibun no ana no nakade, 1955, B/N, 35mm, 125’

martedì 26 ottobre e giovedì 25 novembre ore 19.00
FLOWERS AND RAGE di Seijun Suzuki
Hana to doto, 1964, C, 35mm, 92’

giovedì 28 ottobre e martedì 30 novembre ore 19.00
STORY OF A PROSTITUTE di Seijun Suzuki
Shunpu den, 1965, B/N, 35mm, 96’

martedì 9 novembre e giovedì 2 dicembre ore 19.00
TOKYO DRIFTER di Seijun Suzuki
Tokyo nagaremono, 1966, C, 35mm, 83’

giovedì 11 novembre ore 19.00
AKUTARO di Seijun Suzuki
Akutaro, 1963, B/N, 35mm, 95’

martedì 16 novembre ore 19.00
ZIGEUNERWEISEN di Seijun Suzuki
Zigeunerweisen, 1980, C, 35mm, 145’

martedì 7 dicembre ore 19.00
DREAMING AWAKE di Takeo Kimura
Yume no manimani, 2008, C, 35mm, 106’

Somewhere, lost in translation

2010-09-06T21:39:00.004+02:00

Chi conosce il materiale con cui è confezionato il cinema di S. Coppola, è difficile che venga eccessivamente deluso da quest'ultimo Somewhere: c'è gran parte della poetica della regista, potrebbe considerarsi una sorta di summa. Un attore divorziato, succube dell'ennui e della sua vita circolare, ciclica; spesso in viaggio tra premiazioni, set, festini e in soggiorno perenne in un albergo dove è sempre iperstimolato dalla presenza femminile, figura qui fin troppo abusata. Ha una figlia, che ovviamente si divide tra lui e la madre.

E il film non è che racconti, o quantomeno mostri, molto di più se non la sua vita nell'albergo. Si potrebbe anzi dire che la sua vita è l'albergo stesso. Albergo, quindi luogo di passaggio, transeunte. La pellicola si apre con quella che il sottoscritto reputa la migliore sequenza, e che poteva formare un corto a sé stante: camera fissa, Ferrari scuro che percorre una pista per diversi giri; il guidatore scende, guarda nel vuoto. Ecco condensato Somewhere in una sequenza.

Eppure... qualcosa che non va c'è eccome. Si nota almeno una variazione rilevante - ma forse perniciosa, visto il risultato - nel cinema di Coppola: le musiche elettroniche/rock/shoegaze che costituivano il tappeto non solo sonoro, ma filmico degli altri tre lungometraggi (specie in Marie Antoinette in cui raggiungevano un risultato sicuramente vicino all'ipertrofia), come anche dei corti, scompaiono (si contano al massimo tre canzoni). Vengono sotitutite da silenzi ininterrotti, atti ripetuti che vengono ripresi davvero troppo a lungo da diverse angolazioni. Sembra che sia la reiterazione la nuova chiave di volta di Coppola, ma è pur vero che se c'era un eccesso di 'rumore' prima, c'è un eccesso di silenzio ora. Non basta coprirlo, quel rumore, dato che il silenzio sussurra egualmente e non basta utilizzarlo a caso, bisogna saperlo utilizzare e dosarlo. Per finire, molte, troppe situazioni sono derivat(iv)e da Lost in Translation, qui trasfigurate in lievi variazioni. Ma com'è complicato filmare le variazioni di uno stessa tema - chiedetelo ai compositori classici, Ozu, Naruse.

La "confessione" del protagonista suona lievemente triviale, dato che lo spettatore già sa (sempre dalla favolosa prima sequenza), non c'era certo bisogno di dirlo al telefono. È vero che questa confessione simboleggia un atto disperato di avvicinarsi alla persona (una volta) amata, di afferrare qualcosa, eppure... E il finale che arriva poco dopo, seppur significativo, è altrettanto affrettato e quasi patetico -"patetico" anche in accezione positiva, però. In conclusione, se questa è la nuova Coppola, rivogliamo indietro le belle musiche e i dialoghi rarefatti, o forse è solo questione di attendere la maturazione del nuovo stile.

Garri Bardin

2010-04-18T12:09:00.003+02:00

Ogni tanto, è bene rispolverare la buon vecchia animazione, specialmente russa! Lo sconosciuto Garri Bardin, oramai settantenne, è attivo sin dai primi anni '70. Finora ha diretto solo cortometraggi. Esordì con dei corti per bambini, come succedeva per altri animatori russi in quel decennio, ma la maturazione artistica, o meglio l'intenzione di creare dei progetti di importanza più universale, arrivò a metà anni '80. Da notare che comunque, Bardin alternava lavori più accessibili e commerciali a suddette opere, per questo la sua carriera risulta indubbiamente altalenante. Sembra che ora stia terminando un lungometraggio. Riporto sotto i suoi lavori migliori (non hanno bisogno di sottotitoli).
Conflict (1983) è sicuramente il suo capolavoro: avreste mai pensato che si potesse creare uno dei più bei film sul conflitto in 7 minuti e con dei fiammiferi? Eppure è così. Tyap, Lyap - Malyary! (1984), può essere preso in considerazione per valutare l'estrema versatilità e varietà di Bardin; si tratta, in fondo, di un corto comico non certo con ambizioni elevate. Marriage (1987) è un altro bel colpo di genio: la crisi di coppia attraverso delle corde (?!). L'anno dopo, con Vykrutasy, sicuramente raggiunge il maggior risultato stilisticamente: il corto è interamente realizzato con del fil di ferro (in stop-motion) e tratta un tema davvero preponderante in chiave ironica, in modo tipicamente russo. Adagio (2001), è di certo il più ambizioso: realizzato con la origami stop-motion (nove mesi di lavoro, addirittura), il film non si fa scrupoli ad evidenziare questioni come la religione, la fede, le metafore cristiane e bibliche.

Conflict (Konflikt, 1983, 7')

Tyap, Lyap - Malyary! (1984, 9')

Marriage (Brak, 1987, 10')

Vykrutasy (1988, 10')

Adagio (Adazhio, 2001, 10')

A Long Walk (Nagai Sanpo, Eiji Okuda, 2006)

2010-03-22T23:41:00.008+01:00

Dal ritmo lasco, come lo è questa lunga camminata dei due fuggiaschi, l'opera di Okuda percorre lentamente la sua strada verso la redenzione del protagonista ed un'auspicata salvezza del minore. Sicuramente prolisso, A Long Walk coinvolge lo spettatore, facendogli realizzare passo passo il fine ultimo di Matsutaro, ripagandolo e redimendolo con i minuti finali, mentre il finale vero e proprio non fa che aggiungere ulteriore sostanza ai temi trattati.
È un'opera che analizza non soltanto il lutto trattandola come una scomparsa della presenza fisica e spirituale del defunto, ma anche come rimorso e lutto interiore di coloro ancora in vita. Un'osservazione del fenomeno in vivo, in breve. Compaiono tre morti durante l'opera, e vengono utilizzati come fossero parte di un percorso necessario.
La prima è la morte della moglie, che in passato era stata maltrattata e poco stimata dal marito.
La seconda è quella dell'uccello; si noti che il summenzionato volatile viene dato da Yasuda alla bambina come fosse un dono; l'uccello viene trovato da Yasuda nella foresta ove Sachi ha costruito un suo habitat, un rifugio dove mettere da parte i suoi tesori, e che intende tenere assolutamente a distanza dalla presenza prava della madre. Sachi si affeziona al volatile, che dopo poco muore; la tomba viene proprio edificata in quel rifugio, dopodiché i due abbandonano tutto per una nuova mèta. Si vuole, quindi, sottolineare questo alone di morte che segue i due protagonisti: persino il luogo sacro è oramai contaminato e bisogna cercare una via d'uscita.
Il terzo ed ultimo lutto, che comprende la sezione meno convincente e più pasticciata dell'opera, è il suicidio del ragazzo, un giovane che si sente estraneo al mondo. Le battute sulla sofferenza nel mondo, ad esempio, non sono coerenti col resto del soggetto, e suonano come strumento retorico.
Il finale irrisolto, come già detto, risolleva il valore dell'opera, che non scevra da difetti, sicuramente supera la sufficienza.

Il commento sonoro new age è di Inamoto Hibiki, e si sposa perfettamente con le sequenze in cui viene utilizzata.
Yasuda è interpretato da Ogata Ken, grandissima gloria settantenne del cinema giapponese che sembrava qui averne 50, in un'intrepratazione ben rattenuta; Love and Honor, Ballad of Narayama, Usugesho, Vengeance Is Mine, The Demon, Eijanaika, Kai - alcuni dei grandi film da lui intepretati. Purtroppo, sarebbe deceduto nel giro di due anni.

Prossimamente su Asianworld.it.

Retrospettiva Georges Franju: Rai3, 6-8 marzo

2010-03-04T13:00:00.004+01:00

Sperando che leggiate il post in tempo, faccio presente che nel weekend, Raitre manderà in onda, a tarda notte, molti dei film del dimenticato regista francese, e invito caldamente al recupero dei titoli in questione. Programma(zione).
Ci voleva Fuori Orario per rispolverare Franju... che tristezza.

Double bill giapponese

2010-02-16T22:41:00.004+01:00

In realtà, il double bill-confronto non era previsto, è solo che li ho visti a distanza ravvicinata così ho pensato di unirli! Due grandi cineasti, due modi totalmente differente di intendere il cinema.

Crossroads (Jujiro, Kinugasa Teinosuke, 1928)

Di Kinugasa si sa e si ha pochissimo (tre film per ora, mi sembra): si sa che era bravissimo nell'impersonare ruoli femminili nel teatro e nel cinema dei primi anni '10; dall'inizio dei '20, iniziò la carriera dietro la macchina da presa. Era un adulatore dell'espressionismo e uno dei suoi film preferiti era L'ultima Risata di Murnau. E a vedere i suoi di film, questo si nota all'istante. Jujiro narra la vicenda di due orfani (?), fratello e sorella, alle prese con il landlord sdentato e apparentemente pericoloso, con i teppisti dell'akasen di Yoshiwara (quartiere delle geisha per antonomasia) e con una donna di malaffare di cui il ragazzo protagonista è invaghito. Improntato su un feroce drammaticismo, Jujiro utilizza il montaggio serrato e la narrazione ellittica per creare una sorta di contrappunto ed una linea narrativa aggressiva, per dimidiare i tempi d'azione e anche per inverare maggiormente la storia. Tuttavia, le 'visioni' espressioniste sono poche e per un eccesso di ellissi, e forse di fretta, l'opera è ben lontana dal simbolico capolavoro Kurutta Ippeji (1926). Anche il finale, veramente inspiegabile e triviale, non contribuisce a fare del film un'opera del tutto rilevante.
Ne sono reperibili due versioni: una da VHS ed un'altra da DVD, restaurata recentemente, di qualche minuto più lunga. La seconda è di gran lunga preferibile.

A Woman's Sorrows (Nyonin Aishu, Naruse Mikio, 1937)

Ultimamente, stanno uscendo fuori un gran numero di inediti Naruse (registrazioni TV), veramente tanti, e io proprio non ce la faccio a dirgli di no. Ormai, il prolificissimo Mikio è ospite d'onore di questo blog e non vedo come non potrebbe esserlo. Appartenente al periodo più oscuro del regista, A Woman's Sorrows tratteggia ancora una volta la vita di una donna, la meravigliosa Irie Takako protagonista dei Taki No Shiraito e Tokyo March mizoguchiani. Ancora una volta lo fa, e senza ripetersi: una delle chiavi di volta del suo cinema, anche se non si sa come facesse. Sposata a un "totalitario" marito, reputata sotto sotto come semplice cameriera et oggetto; sbeffeggiata dalle amiche, alle spalle, proprio perché ritenuta troppo servile e passiva. Si incrocia con la sua vita, la vicenda amorosa tra una sua amica e Masuda, relazione che si rivelerà inaspettatamente giovevole per lei. Abbastanza in anticipo sui tempi, Naruse affrontava con fare diuturno e caustico la società giapponese dell'epoca, la problematica della donna-oggetto e della vita matrimoniale. Se, in alcuni suoi film, è possibile rintracciare un certo risentimento (ma mai astio) verso la figura femminile e la sua perniciosa passività, in altri la coppia risulta ugualmente colpevole e responsabile. A Woman's Sorrows fa parte della seconda categoria, anzi è la donna a distaccarsi dal 'fascismo' di coppia e rincorre il suo ideale di vita. Che questa poi sia segnata dall'amore più igneo o meno, sia di nuovo falsa e ingannevole, non è dato saperlo.

Maggio ci sorride: May releases - Criterion Collection

2010-02-12T18:46:00.004+01:00

Da tempo aspettavamo Ford e Oshima alla Criterion e finalmente il giorno è arrivato. Cioè, non ancora, ma ci siamo quasi. Stagecoach in BLU. Party time!

Wild Rose (Ye Mei Gui, Sun Yu, 1932): traduzione e introduzione

2010-01-26T16:14:00.005+01:00

Scrivo questo post giusto per avvisare la disponibilità di un'altra mia traduzione; si tratta di un super-raro film di Sun Yu.

Qui i sottotitoli (o qui). Ho anche allegato un file leggimi con collegamenti per reperire prima possibile il film.

Sun Yu è stato un vero maestro del cinema, un artista indubbiamente neoterico e deve essere riscoperto. Facendo un sunto cronologico:
il suo primo film è datato 1928 prodotto dalla Minxin, ma il primo reperibile è proprio questo Wild Rose, sua quarta opera. A differenza dei film successivi, Wild Rose è molto meno pregno di nazionalismo. Sun, infatti, predilige una visione più esistenziale: la ragazza di campagna indigente mantenuta dal padre pescivendolo e che nel frattempo gioca 'ai soldatini' nei prati. L'instabile situazione economica dei due viene esacerbata da un debito che non possono ripagare. A causa di ciò, nasce un alterco che provocherà conseguenze catastrofiche. Non vorrei rivelare nulla di più della bella trama di questo film, ma si può affermare che è da questo punto che nasce una delle nervature - una sorta di monomania - del cinema "suniano" (suona male...): la dicotomia tra rurale e cittadino, povero e sardanapalo. Probabilmente, il massimo in questo senso lo darà nel magnifico Daybreak (1933), film dedicato quasi totalmente al tema. Tra Wild Rose e Daybreak, ci passano comunque altri due film: Loving Blood of the Volcano e Little Toys. Il primo è il Sun più atipico, che si potrebbe definire come uno dei primi film d'azione del cinema. A conti fatti, resta comunque tra i meno riusciti. Little Toys, invece, è il capolavoro della carriera; attraverso un'apparente opera nazionalista, Sun fa trasparire una denuncia alla guerra mai vista. "Fa trasparire" anche in senso letterale, direi, dato che ricordo moltissimi giochi di sovrimpressioni e associazioni tra oggetti inanimati e reale conflitto. Protagonista la stella indiscussa del vecchio cinema cinese, Ruan Lingyu, attrice emerita e figura portante di molti altri classici cinesi, scomparsa a 25 anni a causa di un overdose.¹
È quindi il turno di Queen Of Sports (1934), abbastanza ignavo, l'unico Sun mediocre; mediocre non nella forma, s'intende. È in questo film (e nel successivo) che il nazionalismo velato e popolare di Sun diventa spinto ed ipertrofico; addirritura, qui vediamo una Lili Li (altra stella) che in poco tempo riesce a diventare un'improbabile campionessa di atletica, così nobilitando la Cina attraverso le vittorie sportive. In The Big Road (1935)², ultimo lungometraggio reperibile, riesce molto meglio a dosare gli elementi e ad ottenere un bilanciamento tra intimismo e nazionalismo. Da segnalare come minimo la sequenza in prigione e tutto il finale. L'ultimo Sun di cui si ha traccia è Rhapsody of a Madman (1937), corto facente parte del progetto Lianhua Symphony (Lian hua jiao xiang qu), in cui otto registi della compagnia Lianhua (la più rilevante dell'epoca) si impegnarono a produrre un'operetta per celebrare gli studi.

¹ Per approfondire la vita di Ruan, è necessario vedere Centre Stage (Yuen Ling-Yuk, Stanley Kwan, 1992).
² Molto tempo fa avevo anche tradotto The Big Road; qui i sottotitoli.

Apart From You (Kimi To Wakarete, Naruse Mikio, 1933)

2010-01-13T23:03:00.006+01:00

Un'anziana geisha, oramai prossima al ritiro, ha il compito, come madre, di sostenere il figlio ancora giovinetto. Quest'ultimo, però, prova molta vergogna riguardo il mestiere della madre, a tal punto da odiarla (almeno, parzialmente); nascono così spesso dei diverbi che porteranno a conseguenze quasi fatali. Il summentovato ragazzo, stufo del proprio focolare, decide di passare molto tempo per la strada, aggregandosi a bande di sciocchi teppistelli. Si incrocia, con questa prima vicenda, la storia di una ragazza, giovane e graziosa geisha amica della madre, che tenta di allontanare il ragazzo da cattive compagnie, e che nel frattempo deve risolvere un problema all'interno della prorpia famiglia: essendo le finanze molto esigue, i genitori vorrebbero far entrare nel mondo della prostituzione anche la figlia più piccola. Mitsuko vuole impedirlo, ovviamente.

Da poco reperibile, questo Naruse presenta una trama piuttosto intricata, ed è già un Naruse senz'altro compiuto. È uno degli ultimi film muti del maestro ed uno degli ultimi girati per la Shochiku. Il regista nipponico utilizzava già metodi di regia innovativi per l'epoca e poco consoni al volere degli studi; in Apart From You, come in Each Night I Dream (1933), fa molto uso di veloci carrellate per andare a zoomare sui volti degli attori, dopodiché, a volte, la sequenza può culminare con un rapido vis-a-vis. Notevole in Apart From You, anche l'uso di sovrimpressioni quando Mitsuko rammemora la sua famiglia e il focolare domestico. Fu per questi motivi 'tecnici' ed altri relativi ai contenuti dei suoi film, che Mikio, recalcitrante di carattere, abbandonò la Shochiku e iniziò a lavorare per la Photo-Chemical Laboratories (la futura Toho, celeberrima). Se adesso ciò può apparire incredibile, si pensi ai guai (quanti lacci e stecchi, direbbe Petrarca) causati dagli studios e dai critici ai danni di registi come M. Ophuls e Lubitsch (specialmente a causa di Angelo del 1937): la camera doveva essere invisibile e filmare, mentre alcuni registi furono pionieri nel filmare in movimento, filmare il movimento. Tornando al film, se ne apprezza quindi il lato tecnico e le scelte di copione, ma in alcune sezioni c'è sicuramente una tendenza eccessiva a (melo)drammatizzare le situazioni - sul finale, gli occhi rugiadosi dei due giovani ed altre sequenze costituiscono un bell'esempio. In generale, prova superata, comunque.

The Human Bullet (Nikudan, Okamoto Kihachi, 1968)

2010-01-11T17:09:00.010+01:00

Durante la seconda guerra mondiale, ad un soldato giapponese (ottimo, l'attore) viene dato un incarico: lanciarsi contro una nave americana... da dentro un missile!! Da qui, il titolo "il proiettile umano". Il film si ramifica in diverse direzioni e copre scenari molto differenti: in principio, si parte proprio con un insensato (in quel momento) monologo del proiettile umano; successivamente, si va a ritroso assistendo a curiosi dialoghi col superiore, ad un giorno di permesso (l'unico per il povero soldato), giorno in cui ha il desiderio di andare in un bordello, dove poi incontrerà persino l'amore (transitorio) della vita. È questa la parte migliore di Nikudan, sia riguardo il fattore tecnico che la sceneggiatura. La regia è sperimentale, inizialmente molto nuberu bagu, con inquadrature oblique, dal basso, dove il montaggio diviene parte fondamentale della narrazione. Ad esempio, un dialogo tra il protagonista e il superiore si interrompe, ed in un fotogramma si assiste ad una mano che fa ripartire un grammofono; dopodiché il dialogo ricomincia, come se stessimo ascoltando una registrazione (e non è parzialmente così, del resto?). I villaggi desolati, le città fantasma continuano ad esercitare fascino e provocare dolore allo stesso tempo, non ci sono nemmeno coperte e cuscini nei bordelli - sono stati bruciati! Okamoto, maestro e da giovane allievo di Naruse, narra l'intera vicenda ironicamente e a mo' di commedia - e non deve essere stato per nulla facile trattandosi di tali argomenti -facendo ricorso spesso ad accostamenti anche figurativi da entomologo (uomini=animali) (probabilmente influenzato da Imamura, esperto e in un certo senso 'demiurgo' del genere); nei personaggi è possibile riconoscere tratti beckettiani, voluti o meno dal regista. La seconda parte del film (prolisso sicuramente, questo Nikudan) è molto meno convincente: dopo aver lasciato il villaggio, in pratica, si svolge quasi tutto nel deserto, dove sono mirabili un paio di episodi allegorici, mentre se ne segnalano altri piuttosto assurdi e pleonastici. E finita la guerra... naturalmente la beffa finale. La voce narrante è quella inconfondibile di Nakadai T.

DONNE DIETRO LA MACCHINA DA PRESA: Rassegna a Roma

2010-01-11T14:28:00.003+01:00

12 GENNAIO - 16 MARZO

all'Istituto Giapponese di Cultura (Via Antonio Gramsci, 74 - 00197, Roma)

Attrici, sceneggiatrici, registe, ma prima di tutto donne. La rassegna presenta 10 film che fotografano paesaggi interiori e esteriori, storie vissute in prima o terza persona, raccontate con lo sguardo attento dell’occhio femminile, sempre pronto a penetrare nel cuore delle cose e nel vissuto delle persone. Il viaggio nel cinema delle donne inizia con Kinuyo Tanaka, prima regista nella storia del cinema giapponese, per proseguire con le opere della documentarista Sumiko Haneda, della pluripremiata Naomi Kawase fino ai recenti lavori di giovani talenti della regia come
Naoko Ogigami, Nami Iguchi, e Setsuko Shibuichi, autrice di un interessante film di animazione incentrato sulla seconda guerra mondiale.

CALENDARIO PROIEZIONI (film in versione originale giapponese con sottotitoli in inglese o italiano)

Nota: l'ora d'inizio delle singole proiezioni non è riportata sul sito, ma a giudicare dalle prime date sul calendario, inizieranno tutti alle 19:00, orario classico dell'istituto.

Domani ci sarò assolutamente, i film della Tanaka, dei quali ho letto ottime cose, finalmente visi(ona)bili.

MARTEDÌ 12 GENNAIO
Love Letters (1953, 98’) di Kinuyo Tanaka

MARTEDÌ 19 GENNAIO
Kamome Diner (2005, 102’) di Naoko Ogigami

MARTEDÌ 26 GENNAIO
Megane (2007, 106’) di Naoko Ogigami

MARTEDÌ 2 FEBBRAIO
The Cat Leaves Home (2004, 94’) di Nami Iguchi

MARTEDÌ 9 FEBBRAIO
The Far Road (1977, 110’) di Sachiko Hidari

MARTEDÌ 16 FEBBRAIO
The Cherry Tree with Gray Blossoms (1976, 42’)
di Sumiko Haneda

MARTEDÌ 23 FEBBRAIO
Embracing (1992, 40’) di Naomi Kawase
Katatsumori (1994, 40’) di Naomi Kawase

MARTEDÌ 9 MARZO
The Glass Rabbit (2005, 84’) di Setsuko Shibuichi

MARTEDÌ 16 MARZO
Eternal Breasts (1955, 110’) di Kinuyo Tanaka

Accident (Yi Ngoi, Cheang Pou-Soi, 2009)

2009-12-14T11:17:00.005+01:00

Louis Koo (nel film Ho Kwok-fai, in codice "Brain"), è un sicario professionista che organizza, o meglio simula, incidenti per liberarsi del malcapitato di turno, sia esso boss mafioso od onesto cittadino. Brain è a capo di una banda formata da Michelle Ye, Stanley Fung (Uncle) e l'immancabile Lam Suet (Fatty). I membri, seppur esperti e caratterizzati da una sorta di atarassia, sono incredibilmente terrorizzati dalla casualità degli eventi, fattore che nel loro 'mestiere' è assai rilevante; ciò li conduce in uno stato di perpetua tensione che sarà poi causa di eventi decisivi.
Sin dalla prima sequenza, Cheang mostra con raro talento la sua prospettiva, la sua composizione del quadro sempre caratterizzato da mirabile urbanità. Accident non è altro che un'indagine ultra recherchée riguardo l'ambigua questione del fatalismo contrapposta a quella del 'tutto è (pre)stabilito'. In questo caso specifico, è un incidente (la morte di un amico) a far sorgere ponderosi dubbi nell'animo di Brain, che inizia a sospettare di qualsiasi cosa. A differenza di altre opere simili sul tema (quelle del produttore To, Coppola, etc.), l'ultimo Cheang si caratterizza per una ancor più marcata analisi dell'ossessione per "l'evento imprevedibile", di conseguenza per una caducità, instabilità del quotidiano, come accadeva in Tokyo Sonata. Impeccabile in questo senso Fung Yuen Man, direttore della fotografia, che soffonde la città ed i loft di luci flebili ed antri bui.
Resta, a volte, una sensazione di lieve insoddisfazione, laddove sarebbe servita una maggiore introspezione e più dialoghi, ma complessivamente Accident resta una prova per nulla dozzinale.

Eaux D'artifice (Kenneth Anger, 1953, 12')

2009-11-16T18:27:00.001+01:00

Part I

Part II

What Made Her Do It? (Nani Ga Kanojo O So Saseta Ka, Suzuki Shigeyoshi, 1930)

2009-10-28T16:00:00.012+01:00

Sumiko è ancora una bambina analfabeta quando viene mandata da un suo zio con una lettera e qualche banconota. Il padre di Sumiko si è suicidato e nel testamento esprime il desiderio che sua figlia venga accolta e cresciuta da suo fratello. Questo apprendiamo dalle lettera. La famiglia, con molti figli e poverissima, non esita a prendere il denaro, ma invece di educare la bambina, la vende ad un circo dove Sumiko fa presto la conoscenza di Akimitsu, un giovane di cui s'invaghisce. È solo il primo dei tanti viaggi della nostra Sumiko, costretta in séguito ad andare di casa in casa per un impiego o per un altro, spesso licenziata per i motivi più futili. Passano gli anni, e Sumiko rincontra per caso Akimitsu (che anni prima era stato rapito, si presume). La giovane coppia, ora unita, può così affrontare ciò che la vita gli offrirà - non molto -.
Ampiamente sconosciuto, What Made Her Do It? all'epoca era ritenuto un caposaldo del "cinema proletario", dopodiché se ne persero le tracce fino ai primi anni '90, quando furono ritrovati dei rulli negli archivi Gosfilmofond, in Russia. Inutile dirlo, mancavano delle sequenze (di inizio e fine). Si fecero delle ricerche sulle sceneggiature e, nel 1998, finalmente viene restaurato (del 2007 il DVD); per sostituire le parti perdute, si pensò di inserire nuovi cartelli e frasi dei dialoghi originali ritrovati.
Nonostante tutto ciò, il lavoro di restauro risulta eccellente ed il film, pur soffrendo dei frammenti mancanti, è tutt'altro che prescindibile: Suzuki utilizza la storia di un'indigente per attraversare l'inizio del secolo XX giapponese; economia, società, religione sono tutti punti adiacenti che il regista unisce con un solo filo conduttore, lasciando trasparire i suoi pensieri a riguardo, sebbene a volte sia presente una certa semplicità e trivialità eccessiva nelle scelte dei protagonisti (il suicidio, ad esempio). La regia è spaventosamente dinamica per i tempi: carrellate rapide (alcune in corsa), sovrapposizioni mercuriali, e non mancano elementi innovativi: si assiste persino ad una fascinosa carrellata simile a quella finale di Professione: Reporter, ma il movimento invece che in avanti, è nel senso opposto (ed è possibile intravedere nel vetro il regista).
Sicuramente, sarebbe stato magnifico vedere i minuti finali e decisivi - una parte del segmento religioso - che dallo script ricostruito sono a dir poco omerici, con una possanza ed eloquenza tale da riportare sùbito alla mente Dreyer e Bergman. Chissà che non vengano alla luce negli anni futuri, che non riemergano dal rezzo. Nel frattempo meglio custodirlo gelosamente, questo film raro, anche se incompleto.

Nuovo blog!

2009-10-15T12:57:00.002+02:00

Da ieri è attivo un nuovo mio blog, aperto a tutti, pensato come spin-off di questo e focalizzato sui confronti tra varie edizioni DVD. L'ho chiamato Weathered Frames, sperando diventi ampio e utile tanto quanto DVDBeaver. Qui la presentazione.

Attenzione, attenzione!

2009-10-09T11:50:00.002+02:00

In arrivo una retrospettiva dedicata al grande Ichikawa Kon, curata dall'Istituto Giapponese di Cultura! (Via Antonio Gramsci, 74 - 00197, Roma)

CALENDARIO PROIEZIONI

MARTEDÌ 13 OTTOBRE ORE 19.00
KOKORO 35mm 1955 122’

GIOVEDÌ 15 OTTOBRE ORE 19.00
NIHONBASHI 35mm 1956 111’

GIOVEDÌ 22 OTTOBRE ORE 19.00
PUNISHMENT ROOM 35mm 1956 96’

MARTEDÌ 27 OTTOBRE ORE 19.00
ODD OBSESSION 35mm 1959 107’

GIOVEDÌ 29 OTTOBRE ORE 19.00
THE HEIR 35mm 1960 105’

GIOVEDÌ 12 NOVEMBRE ORE 19.00
BEING TWO ISN’T EASY 35mm 1962 88’

GIOVEDÌ 19 NOVEMBRE ORE 19.00
THE HARP OF BURMA 16mm 1956 116’
Sott. in italiano

MARTEDÌ 24 NOVEMBRE ORE 19.00
ACTRESS 16mm 1987 130’
Sott. in italiano

GIOVEDÌ 26 NOVEMBRE ORE 19.00
FIRES ON THE PLAIN 16mm 1959 105’

MARTEDÌ 1 DICEMBRE ORE 19.00
YUKINOJO 35mm 1963 114’

GIOVEDÌ 3 DICEMBRE ORE 19.00
HAKAI (The Outcast) 35mm 1962 119’

GIOVEDÌ 10 DICEMBRE ORE 19.00
ALONE ACROSS THE PACIFIC 35mm 1963 97’

MARTEDÌ 15 DICEMBRE ORE 19.00
I AM A CAT 35mm 1975 116’

GIOVEDÌ 17 DICEMBRE ORE 19.00
THE MAKIOKA SISTERS 35mm 1983 140'

Videogames: Ni no Kuni, The Another World

2009-07-30T13:08:00.006+02:00

Prosegue la collaborazione tra Studio Ghibli e Level-5, ed ho appena letto (con ritardo) dei primi video. Sembra sia in sviluppo solo per Nintendo DS, ma chissà, spero vivamente lo propongano per altre console. Uscita prevista: novembre 2009.

Recensioni in immagini

2009-07-22T14:45:00.016+02:00

Perché, a volte, le parole non rendono giustizia. Allora, a volte catturo alcuni fotogrammi che mi piace chiamare "istanti eterni", frammenti significativi velocissimi e transeunti che riflettono, riassumono le più fascinose sfumature dell'opera; microsecondi, ma impressi su pellicola, che paradossalmente vengono conservati finché la memoria fisica lo permette.

Shaking Tokyo (Bong Joon-Ho, corto tratto da Tokyo!, 2008)

Moe No Suzaku (Kawase Naomi, 1997)

Ame Agaru (Koizumi Takashi, 1999)

2009-07-15T14:07:00.006+02:00

Non ho tempo per scriverne come si dovrebbe, ma ho appena finito di tradurre i subt. di questo film, per cui voglio annunciarlo.
Un chanbara abbastanza famoso in alcuni Paesi, soprattutto perché la sceneggiatura è di Kurosawa Akira. Ed il film è proprio a lui dedicato (Koizumi collaborò con Kurosawa negli ultimi lavori). Film di samurai che va ad inserirsi nell'ultima, splendida onda di chanbara, assieme alla trilogia yamadiana¹ e When The Last Sword Is Drawn (tradotto a suo tempo), ovvero quella nuova sfumatura del genere che vede sempre protagonista un ronin² all'insegna dell'onore, della correttezza. Chanbara simili se ne facevano anche allora, senonché quelli degli ultimi anni assumono una liricità e crepuscolarità maggiore e rinnovata.
Ame Agaru riprende da Kurosawa la sconvolgente carica umana, la scrittura semplice, netta, efficace. Koizumi inserisce un sentimentalismo che a volte è di troppo, ma che infine dona al film una sensazione claustrale, come quella provata dai due protagonisti nell'ultima sequenza: "Sembra che accresca la nostra
forza interiore".

Sottotitoli.
Importante: leggere la nota allegata.

¹ Trilogia composta da tre capolavori: The Twilight Samurai (2002), The Hidden Blade (2004), Love and Honor (2006). Solo il primo è giunto qui in DVD.
² Un ronin era un samurai che non dipendeva più da un maestro superiore; ciò accadeva, a volte, perché il maestro veniva ucciso in battaglia o fuggiva, altre volte perché il maestro stesso non riponeva più fiducia nel samurai, per cui lo esiliava.

Karl Malden (22 March 1912 - 1 July 2009)

2009-07-01T23:36:00.006+02:00

Il blog sta diventando un obituario, ma non posso non ricordare uno dei pilastri della vecchia scuola americana. Un uomo che mi è mancato per decenni.

Recentemente avevo scritto di Baby Doll, film nel quale sfodera una performance perlopiù comica, ma che sa trasformarsi in collerica, come nella sequenza indimenticata della cena - l'atto più teatrale del film -.
Parte marginale nell'unico, misconosciuto western di Edwards, Wild Rovers (1971), generale in Patton (1970); ancora capo di un'associazione - se ricordo bene - nel russelliano di spionaggio Billion Dollar Brain (1967), ancora western con Nevada Smith (1966).
E poi il 1962: il 1962 bisognerebbe tenerlo bene a mente, sempre. In quell'anno, Malden recitò in due capolavori - capolavori - di Frankenheimer: Birdman of Alcatraz e All Fall Down (il capolavoro USA più dimenticato della storia, ricordo).
Ad inizio carriera, c'è uno dei noir più influenti del '47, Kiss Of Death; tre anni dopo c'è un altro noir, a conti fatti il film-cardine di Preminger, Where The Sidewalk Ends; nel 1953 il bressoniano I Confess di Hitchcock e per finire i tre Kazan: A Streetcar Named Desire, On The Waterfront e Baby Doll, da cui ero partito per questa disordinata ne-cro(no)logia appassionata.

06/22/2009: Tokyo Sonata (Kurosawa Kiyoshi, 2008)

2009-06-24T14:51:00.008+02:00

Dopo un anno di faticosa attesa, tra premi e riconoscimenti vari, esce in DVD e Blu-Ray, in UK grazie alla gloriosa Eureka, l'ultima opera dell'adorato Kiyoshi-san.
Ammetto che anche Dan ne ordinerà una - magari più di una - splendida copia sbrillucicosa di questo nuovo film "fantascientifico" e sociologico. Tokyo Sonata, sebbene non sia il risultato più riuscito dell'autore, è sicuramente quello in cui sono più evidenti le tematiche che Kiyoshi mette in scena da una vita, come sono più evidenti pur anco i meccanismi tramite i quali le tesi artistiche vengono di-mostrate. L'opera kurosawiana più vicina a questa sonata di Tokyo è lo sconosciuto Barren Illusions (1999) - questo titolo mi ricorda qualcosa - che sviluppa una trama ambientata nel 2010, se non ricordo male, anno in cui nubi tossiche e pòllini provocano malanni, scheletri vengono letteralmente a galla, e l'atmosfera apocalittica è percepibile quasi fisicamente. Tokyo Sonata si sviluppa in un contesto simile: la struttura sociale è talmente fragile che un cambiamento, in questo caso una nuova assunzione di personale cinese e conseguente licenziamento del nostro protagonista giapponese, mutamento che è volutamente reso assurdo, come se accadesse sempre così, riesce a scatenare una serie di eventi da distemprare l'esistenza (a tal punto che quasi si muore). Allora, l'evento. Uno dei tratti più mirabili di Kurosawa è quello di aver sviluppato la fenomenologia dell'evento. Ponendo un unico paradigma, in Kairo (2001) gli spettri, o illusioni transitorie che siano, manifestano dei cambiamenti, rappresentano segnali che preconizzano un evento, etc. Ed in quel caso, gli spettri erano quasi entità fisiche che rientravano nel genere horror, infatti. In Tokyo Sonata, invece, questi ultimi si trasformano in puro fenomeno metafisico, ovvero anche i fantasmi spariscono; l'unico fenomeno che persiste è il nulla, ovvero un mondo dove domina soltanto l'assurdo. E quell'assurdo, l'evento, volente o nolente interessa l'individuo. È l'atto estremo del pensiero sociologico ed esistenzialista di Kurosawa. Ma lui è davvero così fatalista e rassegnato? Certo che no! Kiyoshi spera sempre in un nuovo punto zero, quello da cui la famiglia del film proverà a ricominciare da capo, ed è proprio quella sonata a dar vita ad un nuovo evento - che potrebbe rivelarsi comunque nefasto.

La sonata del titolo è davvero Kai Inowaki a suonarla in una buonissima interpretazione; è la Suite Bergamasque: Clair De Lune, tra le più belle composizioni del Debussy.

Allego un'ottima intervista con Kiyoshi-san.

11 June 1979 - 11 June 2009

2009-06-11T12:57:00.002+02:00

Fear In The Night (Maxwell Shane, 1947)

2009-05-29T23:31:00.009+02:00

Un uomo sogna - tramite una magnifica sequenza onirica - di aver commesso un omicidio; al risveglio, trova indizi e tracce di sangue sull'epidermide. Durante una gita fuori città, si ritrova con degli amici in una casa che ricorda di aver già visitato. In un albergo di seconda mano, ricostruendo i ricordi, gli torna alla mente un vecchio in una foto che si rivelerà un ipnologo.
Maxwell Shane, uno dei registi noir dimenticati e tra i più dotati, trae spunto da un romanzo di Woolrich per un'opera allucinata, che commesce noir e psicologia, ricca di sequenze espressioniste e sperimentali: il fotogramma in frantumi, le sovrimpressioni, le distorsioni, il riflesso nell'occhio. Siamo nel 1947, solo qualche regista sperimentale nei '20 e Maya Deren hanno proposto e introdotto tante innovazioni in una pellicola; non c'è dubbio che influenzò diversi film a seguire. Lo stesso regista fece un rifacimento del film nel 1956, il suo ultimo, Nightmare, un nero quasi identico ma ancor più raro e bello, in cui uno dei personaggi viene sostituito da Robinson la cui presenza dona all'opera un'atmosfera ancor più umbratile. Probabilmente, a fine carriera Shane aveva più denaro a disposizione così da potersi permettere di ritoccare la pellicola. Girò soltanto altri tre film, tutti irreperibili.

Un Certo Giorno (Ermanno Olmi, 1969)

2009-05-28T11:20:00.006+02:00

"Qualche volta mi piace stare così, senza pensare. Quando mi càpitano momenti come questo, per esempio, così, che sto bene, allora mi lascio andare. E cerco di non pensare più a niente.
È una strana sensazione, ma è molto bella; perché non sento più niente di me. È come se non fossi più soltanto io, ma... tutto il resto che mi sta intorno - la sedia, la parete, la lampada, ogni cosa, persino l'aria... ma non tante cose distinte, non il pensiero di queste cose una dietro l'altra come una fila di oggetti, ma tutto insieme, senza distanze senza tempo, come se io fossi tutte queste cose. E allora cerco di non pensare, per prolungare di più questi momenti.
Perché appena ricomincio a pensare, io ridivento ancora io, e allora torno a essere quello di prima, estraneo a tutto il resto che mi sta intorno."

Eccolo qui il primo capolavoro di questo signore, il film della maturità stilistica ed espressiva, il film in cui l'Olmi, grazie all'assimilazione dell'esperienza documentaristica e della filmica di John Cassavetes, dona allo spettatore quest'opera meravigliosa pregna di fascino crepuscolare, sociologico, di crisi dell'individuo.
Opera completamente obliata, ricordiamolo questo, e finalmente rimasterizzata in DVD e disponibile dal 5 maggio, anche se in sordina.
Il monologo summentovato che ho trascritto è tratto dal minuto 24, da uno dei due momenti più intensi dell'opera, dove un giovane lavoratore, che dipinge saltuariamente quadri che non vengono venduti, si trova a conversare con una sua "collega" che "lavora poco". Il fascino della sequenza, oltre che nel bel monologo, risiede nel clima transeunte che avvolge tutta la pellicola, dove la breve passeggiata nel parco lievemente ivernato¹ e i dialoghi tra i due assumono un significato più ampio e poetico.
L'altra sequenza inestimabile è, invece, verso la fine: il protagonista - pubblicitario vicino al pensionamento - rivive due momenti delle sue recenti avventure; l'uno, il rapporto sentimentale con una donna; l'altro, le battute scambiate col vecchio collega ritiratosi a causa di un collasso che lo aveva fiaccato, e che affermava di averlo fatto per scelta. Ma era stata veramente una scelta, o era stato solo il timore della propria caduca salute? L'uomo gli confessava anche che durante il collasso, aveva avuto delle brevi visioni di momenti vissuti, e di aver scoperto proprio in quei momenti quasi fatali di avere molti rimpianti della sua vita. Olmi utilizza l'analessi e il parallel editing per costituire quindi un confronto a distanza tra il vecchio collega ed i protagonista che ora, a causa dell'investimento, si trova nelle stesse condizioni. La tragedia di un uomo che aveva sacrificato pur anche la famiglia che in séguito ritrova: "Se domani sera tutto si sarà risolto, vengo a casa e partiamo" per "fuggire" nella villa in Toscana.
Mentre il parallel editing viene utilizzato sia per comporre sequenze più vivide sia per favorire una maggior sintesi dell'opera così da non risultare mai sesquipedale², l'occupazione lavorativa è anche usata come veicolo per descrivere la società opportunista; basti vedere come viene architettato il processo per l'investimento.
Allora, tra crespuscolo e modernità, rigettiamoci in questo capolavoro.

¹ Dal fiorentino petrarchesco "ivernare": "fare inverno".
² "Prolisso".

Baby Doll (Elia Kazan, 1956): l'epilogo

2009-04-23T13:45:00.004+02:00

Gettarsi qualche decade addietro per vedere come bastava poco, ai veri grandi, mostrare il loro pensiero; come distinguere il segmento maestro in mezzo a tanti.
Allora, per esempi di questo genere, può esserci utile Elia Kazan (Ília Kasèn, mi raccomando) in uno dei suoi film più atipici. Commedia fortemente drammatica a tratti che rivela infine un'apologia dell'ipocrisia umana, del falso interesse, e della conseguente solitudine spirituale. Ecco che allora, dopo molti minuti di teatro, Kazan crea l'attimo maestro, o anche, prendendo alla lettera l'inglese, il masterwork. La camera si avvicina lentamente al volto di Baker, vengono pronunciate le seguenti frasi, che vanno a formare la penultima battuta del film:

We've got nothing to do, but wait for tomorrow.
And see if we're remembered... or forgotten.

La battuta viene rivolta alla cameriera che precedentemente le aveva posto una domanda.
Detta diversamente, sarebbe stata solo una semplice, pur bella, risposta, ma il modo in cui Kazan si muove sul palcoscenico, lasciando tutti e tutto fuori campo, lasciando Baker a contatto con lo spettatore, muta completamente la frase e rivela l'intenzione dell'autore.

Qui gli ultimi dieci minuti del film. Naturalmente, vederlo senza saperne nulla della vicenda,
è assai differente.

A Corner In Wheat (D.W. Griffith, 1909, 14')

2009-04-20T23:35:00.003+02:00

Ritenuto tra i maggiori risultati del grande pioniere, più che per la rilevanza tematica (sempre abbastanza superficiale nei suoi primi film), notare attentamente come in pochi minuti e con quale nitidezza Griffith riesce a sviluppare la materia a disposizione.

La Maison En Petits Cubes (Tsumiki no Ie, Kato Kunio, 2008, 12')

2009-02-25T15:11:00.008+01:00

Il primo corto per il cinema di un giovane animatore che, visto il risultato, ha tutte le carte per diventare un altro grande nipponico. Il corto, davvero triste, ha appena vinto l'Oscar come miglior corto animato.
Non so, io ci ho visto un po' di Yamamura.

Nobody Knows a noleggio

2009-02-23T15:15:00.003+01:00

Dal 13/12/08, totalmente in sordina, pare sia disponibile a noleggio questo film che è semplicemente il capolavoro di Koreeda. Il DVD italiano, a dirla tutta, era pronto già un anno e mezzzo fa circa, ma per motivi sconosciuti non fu più pubblicato. Ora, forse, lo vedremo presto anche per la vendita.

Uno dei tanti dimenticati noir da riscoprire prima possibile.

2009-02-17T12:09:00.001+01:00

This Property Is Condemned (Sydney Pollack, 1966)

2009-02-14T18:17:00.006+01:00

Recentemente, ho visionato (sempre in VO) con grandissimo piacere un Pollack che non avevo mai visto, il suo secondo film. Splen-di-do. Il secondo Pollack vale già tantissimo: notare i livelli di scrittura e regia, e farsene una ragione. Sydney era già sopra la media di altri giovani registi della New Hollywood. Da considerare anche l'apporto notevole del maestro cinese, emigrato in USA, Wong Tung Jim aka James Wong Howe, alla fotografia: uno dei più grandi in assoluto. Redford ad inizio carriera è ancora abbastanza monoespressivo (incredibile è, però, osservare quanto migliorò nel giro d'un paio anni), mentre N. Wood, oltre ad essere bellissima, è davvero eccezionale, forse la sua interpretazione più rilevante: she plays una giovane ragazza sentimentalmente irrequieta e illusa; e si consideri che lei in realtà aveva già 30 anni! Fa parte di quei bellissimi film di provincia che uscivano fuori quasi solo in quegli anni ('50, '60), e che hanno continuato il loro corso per qualche anno fino ai '70 e '80; continuati da registi come Mulligan, Coppola - i suoi primi meravigliosi film e alcuni degli '80 -, etc. Storie talmente ordinarie da divenire extra-ordinarie. Questo è uno dei miei "generi" preferiti, un cinema dell'istinto, del comune, difficilissimo da gestire.¹
All sceneggiatura, oltre a F. Coppola ed altri, collaborò anche Fred Coe (?) regista di un paio di film soltanto; di questi, cerco da una vita Me, Natalie (1969).
Pessimo titolo italiano, tra i peggiori della storia indubbiamente: Questa Ragazza è di Tutti.

¹ Non credo esista un nome per definire il genere "film di provincia"; io per motivi di comodità, per ritrovarli sotto un unico "filtro", li chiamo Whistle stop. Non a caso, ovviamente. Il termine, un americanismo piuttosto raro, venne coniato nei primi anni '20 in USA, per definire una piccola città, a volte situata nei pressi di una linea ferrovaria. In séguito, specialmente nei '50, sempre in USA, il termine assumerà una valenza anche politica: " to campaign for political office by traveling around the country, originally by train, stopping at small communities to address voters."
Sui dizionari in lingua non ho trovato da cosa derivi il termine, ma m'è sembrato giusto e semplice farlo risalire al "whistle" (fischio) del treno, dato che whistle significa anche quello.
Piaciuta la dissertazione linguistica? A me piacciono un mondo!
Già che ci sono aggiungo che Whistle Stop è il titolo di un bellissimo album jazz (1961) di Kenny Dorham.

Street Musique (Ryan Larkin, 1972, 9')

2009-02-04T15:30:00.001+01:00

Incredibile corto animato psichedelico in anticipo di qualche decade sui tempi.

The Other (Robert Mulligan, 1972)

2009-02-02T12:00:00.007+01:00

Uno dei due film culto di Mulligan - cult in USA, s'intende - e tra i suoi film migliori. M. proponeva una tematica psicologica, psichiatrica differente da quelle che finora s'erano viste al cinema; in breve, era, forse ancora è, la pellicola, su quel tema, più oscura mai girata. Un interessante aspetto a livello tematico, e che forse mai è stato preso in considerazione, è quello dello "scambio di bambino", ricorrente in alcune favole. In fondo, The Other può esser letto come una complessa rivisitazione del changeling. Il bambino scomparso e rapito - in realtà, nel film deceduto - non viene sostituito nell'àmbito del reale, bensì in quello psicologico, onirico.
Sul lato tecnico, restano veramente affascinanti le sequenze dell'immedesimazione del bambino col volatile, e quelle in cui i due fratelli s'inseguono.
Da segnalare la non comune, bellissima colonna sonora del grande Jerry Goldsmith.

The Miracle On The Vistula (Cud Nad Wisla, Richard Boleslawski, 1921)

2009-01-26T12:46:00.004+01:00

Tra i primi film del polacco Boleslawski e uno dei pochi diretti nel suo Paese; da lì a qualche anno sarebbe emigrato negli USA. Si narra che sia il primo film polacco ad esserci rimasto e non nella sua interezza: degli otto atti ne rimangono circa quattro. È un film tanto rilevante dal lato storico, quanto ininfluente dal lato artistico. Di tono semi-propagandistico, narra la vittoria dei polacchi sull'Armata Rossa nel 1920, durante il conflitto polacco-bolscevico. Oltre ai vari scontri, principalmente assistiamo a riunioni familiari e festeggiamenti inseriti dall'autore per mettere in risalto la crudeltà del conflitto.
Come già detto, è inessenziale e letteralmente incompleto, ma ho voluto ugualmente proporlo e tradurre i cartelli per i più appassionati. E poi dura soltanto 40 minuti.

Appaloosa (Ed Harris, 2008)

2009-01-26T11:57:00.013+01:00

Finalmente: Western! Ce n'è parecchio nell'ultimo film del grande attore Harris, tutto quello che mancava nell'osannato film di Dominik. Harris ama troppo il western per farne manierismo vanesio, ama troppo il genere, e il cinema. Inutilmente prolisso, non v'è dubbio, ed è evidente che la sceneggiatura non è adeguata, non è abbastanza solida, non è copione che soddisfa appieno: tutto ciò impedisce ad Appaloosa di librarsi letteralmente sulle distese desertiche del West; è un'aquila non abbastanza aligera, un poco attossicata, ma che conosce perfettamente il suo obiettivo. Questo è davvero importante. E il finale dovrebbe parlare da sé. Bellissime, anche diverse sequenze seminate durante il percorso, molte immagini notevoli: il felino che segue dall'alto il treno sul quale viaggiano i due protagonisti; la sparatoria poco prima del finale, splendidamente girata prima orizzontalmente poi dall'alto; quei luoghi che rimandano ineluttabilmente a decine di western.
Mortensen e Harris sono come al solito ottimi, ma quello che probabilmente passa più inosservato, e che invece è il più in forma, è ovviamente J. Irons: ostensibilmente superiore a tutti, ma quello che più è evidente è la differenza di recitazione: tutta un'altra scuola, quella inglese.
La presenza femminile centrale, alla quale purtroppo i registi contemporanei sembrano non poter rinunciare, occupa troppo spazio; si ha la sensazione che la protagonista sia lei, mentre si sarebbe dovuto dar più spazio ad altro. Anche per questo, Appaloosa appare incompleto, ma d'altra parte, è gia parecchio che il risultato finale sia più che convincente.

Enrico Ghezzi: Ricordando Robert Mulligan (Fuori Orario, 01-18-2009)

2009-01-19T10:13:00.002+01:00

In realtà, Su Per La Discesa, che avevo visto qualche mese fa, è uno dei suoi minori, ma sempre cinema intelligente e onesto che quindi muore negli archivi. Una Strada Chiamata Domani invece è davvero un bel film à la Scorsese, eccessivamente urlato sia in senso letterale che metaforico, ma radicato nella cultura americana, e un po' in tutte le altre, molto intimista senza sottolinearlo.

The Carpenter (Stolarz, Wojciech Wiszniewski, 1976, 13')

2009-01-16T18:30:00.006+01:00

Altro documentario breve di questo polacco. Stavolta, attraverso la ricostruzione della vita fittizia di un falegname, Wiszniewski percorre mezzo secolo di storia, tra insurrezioni, carriera militare, invasioni naziste, crisi della società e perpetuo mutamento di quest'ultima: è il rapporto tra società, storia e realtà, e quindi irrealtà, il tema prinicipale per l'autore.
Le riprese della città sono immortalate dal basso verso l'alto, quasi in verticale: un Ozu estremista.
Come per l'altro, carico qui il materiale; sottotitoli qui invece. Buona visione.

"In realtà, il genere che faccio è di secondaria importanza, per quanto mi riguarda. Io sono interessato nelle differenti espressioni della realtà polacca, nelle radici storiche e culturali. Non suddivido il soggetto in "storico " e "contemporaneo" [...], la realtà che ci circonda è ancorata al passato. Io, ad esempio, essendo parte del processo, cresco continuamente fuori del passato.
Nelle mie pellicole, cerco di mettere al corrente lo spettatore di questa continuità. Credo che su questo livello si possa comunicare.
Esprimo i miei sentimenti in maniera lirica, grottesca, delirante, ironica. [...] Cerco di costruire ogni scena affinché lo spettatore possa scegliere la tonalità che più rappresenti il suo carattere, umore ed esperienza. Alla fine, la differenza tra tragico e comico può stabilirla soltanto il tempo." (Wojciech Wiszniewski, Cinema, 1978/8)

In questi periodi, peraltro, è facile anche riconoscere il pensiero e il modo di fare arte di un altro inclito autore: A. Sokurov.

Naturalmente se ci fossero problemi col download, non esitate a scrivere. Ma è un sito tra i più affidabili quindi non dovrebbe dare problemi.

Gake no Ue no Ponyo (Miyazaki Hayao, 2008)

2009-01-14T14:41:00.005+01:00

Sarò breve perché non ho le parole: l'ultimo Miyazaki è la creazione più sorprendente dell'ultimo triennio e, con questa carriera, Miyazaki rientra oramai pienamente non solo nella classifica dei più grandi autori della storia; Miyazaki è stato davvero l'unico, da trent'anni in qua, ad aver girato solo capolavori indiscutibili, titolo più titolo meno - ci sarebbe anche Koreeda l'Invincibile, ma aspettiamo ancora un paio di film per giudicarlo -.
Se Ponyo da una parte, sicuramente, rientra nei Miyazaki più lievi, dall'altra lo si deve considerare tra i più complessi sia a livello grafico che tematico. Se nel meraviglioso Spirited Away, ad animarsi erano fuliggine e dèmoni incorporei, qui ad animarsi sono le onde: il pelago, come universo sconosciuto, vive, persino portando seco e dentro sé un potere tale da minacciare la distruzione della Terra. Eppure come rende il tutto Hayao? Non fa altro che animare nuovamente l'oceano, innalzandone il livello; tutto viene sommerso, e come sono felici tutti sull'orlo del disastro! Evidente, oltre ai temi classici del maestro, l'ecologismo che è molto presente. A livello grafico, non ho dubbi che il film verrà preso a paradigma nei prossimi vent'anni dell'evoluzione del cinema d'animazione. Capo d'opera.

Dead End Run (Ishii Sogo, 2003)

2009-01-12T16:28:00.003+01:00

Dead End Run è composto da tre segmenti, ognuno di circa 18 minuti, girati, probabilmente, interamente in digitale. In ogni segmento, due individui innominati sono costretti in qualche modo a confrontarsi l'uno contro l'altro in vicoli ciechi. Nel terzo segmento, compaiono anche altri personaggi, ma sostanzialmente è la coppia centrale ad assumere rilevanza.
Nel primo cortometraggio, Iseya Yusuke è presumibilmente inseguito; dopo una folle corsa - qui e durante gli altri inseguimenti, Ishii è estremamente frenetico, purtroppo - attende impaziente ed armato il suo inseguitore. Un'ombra si fa avanti; l'ombra viene colpita e uccisa da Yusuke; l'ombra non era l'inseguitore ma una ragazza. Dopodiché si assiste alla palingenesi della ragazza che, come se nulla fosse accaduto, inizia a parlare e danzare desiderando amore dall'altro. Trama incredibile, breve rivisitazione del musical, fatalismo, transitorietà umana. Questi i temi del primo corto che, escludendo il musical, sono anche quelli degli altri corti. Primo corto che si rivela il più interessante, forte anche del finale che non rivelo.
Nel secondo, due uomini si sfidano senza motivo apparante in duello. Si fissano, ridono, si abbracciano, muoiono. Totalmente senza dialoghi, rivisitazione sui generis del western, utilizza analessi per cercare forse significati metafilmici che però stentano ad arrivare.
Nel terzo segmento, uno squilibrato armato giunge sul tetto di un palazzo, dove era in meditazione una ragazza. Viene raggiunto dalla polizia. Indubbiamente il meno pregnante del lotto: inutilmente accelerato, poco perspicuo nelle intenzioni, ma per questo non esente da meriti.
Dead End Run si rivela un progetto sicuramente interessante, riuscito in parte ma valido.

Programma proiezioni

2009-01-07T17:17:00.003+01:00

Domani avrà inizio una retrospettiva molto interessante organizzata dall'Istituto Giapponese di Cultura. Parecchi introvabili oltretutto. Speriamo partecipino il maggior numero di romani possibile. Io andrò quasi sicuramente per Black Rain per poi andare di nuovo a inizio febbraio - i primi li ho visti tutti -.
Sede: Via Antonio Gramsci 74, Roma.

Comunicato:

KASHIKO KAWAKITA: UNA DONNA PER IL CINEMA
per celebrare i 100 anni dalla nascita della Sig.ra Kashiko Kawakita, fondatrice del Kawakita Memorial Film Institute Kashiko Kawakita (1908-1993) ha dedicato un'intera vita al cinema, nella speranza che la settima arte diventasse un ponte di reciproca conoscenza culturale tra i popoli, alla scoperta delle diversità e identità locali trasmesse attraverso i film. Una rassegna itinerante di 24 pellicole, realizzate da alcuni tra i più noti registi giapponesi, è stata messa a disposizione dal Kawakita Memorial Film Institute proprio per celebrare i 100 anni dalla nascita della fondatrice e proseguire nell’opera di divulgazione della cinematografia giapponese iniziata e fortemente voluta da Madame Kawakita. Film in versione originale con sottotitoli in inglese. Proiezioni martedì e giovedì alle ore 19.00.
Ad inaugurare la rassegna sarà il DIRETTORE DELLA MOSTRA INTERNAZIONALE D’ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA MARCO MÜLLER che terrà una CONFERENZA sul tema: “50 ANNI DI CINEMA GIAPPONESE IN ITALIA” in programma martedì 13 gennaio alle ore 18.30.

PROGRAMMA

GIOVEDÌ 8 GENNAIO
VENGEANCE IS MINE DI SHOHEI IMAMURA

VENERDÌ 9 GENNAIO
BLACK RAIN DI SHOHEI IMAMURA

MARTEDÌ 13 GENNAIO
VIOLENCE AT NOON DI NAGISA OSHIMA

GIOVEDÌ 15 GENNAIO
BOY DI NAGISA OSHIMA

MARTEDÌ 20 GENNAIO
THE CERIMONY DI NAGISA OSHIMA

MARTEDÌ 27 GENNAIO
STRAY DOG DI AKIRA KUROSAWA

GIOVEDÌ 29 GENNAIO
DOOMED DI AKIRA KUROSAWA

MARTEDÌ 3 FEBBRAIO
A FULL-UP TRAIN/CRAMMED STREETCAR DI KON ICHIKAWA

GIOVEDI' 5 FEBBRAIO
CONFLAGRATIONS DI KON ICHIKAWA

MARTEDÌ 10 FEBBRAIO
HER BROTHER DI KON ICHIKAWA

GIOVEDÌ 12 FEBBRAIO
WHERE SPRING COMES LATE DI YOJI YAMADA

MARTEDÌ 17 FEBBRAIO
TORA-SAN'S SUNRISE AND SUNSET DI YOJI YAMADA

GIOVEDÌ 19 FEBBRAIO
RASHOMON DI AKIRA KUROSAWA

MARTEDÌ 24 FEBBRAIO
ZIGEUNERWEISEN DI SEIJUN SUZUKI

GIOVEDÌ 26 FEBBRAIO
THE TOKYO WANDERER DI SEIJUN SUZUKI

MARTEDÌ 3 MARZO
BRANDED TO KILL DI SEIJUN SUZUKI

GIOVEDÌ 5 MARZO
INTENTIONS OF NURDER DI SHOHEI IMAMURA

MARTEDÌ 10 MARZO
ODE TE MT. HAYACHINE DI SUMIKO HANEDA

GIOVEDÌ 12 MARZO
AKIKO- PORTRAIT OF A DANCER DI SUMIKO HANEDA

MARTEDÌ 17 MARZO
INTO THE PICTURE SCROLL: THE TALE OF YAMANAKA TOKIWA DI SUMIKO HANEDA

GIOVEDÌ 12 MARZO
A LAST NOTE DI KANETO SHINDO

My Darling Of The Mountains (Yama no Anata - Tokuichi no Koi, Ishii Katsuhito, 2008)

2009-01-06T23:15:00.007+01:00

Due massaggiatori ciechi, Tokuichi (Kusanagi Tsuyoshi) e Fukuichi (Kase Ryo) viaggiano di stagione in stagione, vagabondando qua e là, offrendo i loro servizi in complessi termali. Giunti al complesso dove è ambientata l'intera pellicola, Tokuichi si affezionerà a due clienti: una misteriosa donna di Tokyo (Maiko), Omura (Tsutsumi Shinichi) e il suo nipotino Kenichi (Hirota Ryohei).
Piacevole, divertente - incredibile! - e poi ovviamente triste. Rifacimento di The Masseurs and a Woman (1938), uno dei più bei film del purtroppo sconosciuto maestro Shimizu, dal quale Ishii K. riprende intere sequenze e situazioni. Altre volte invece mutua ottimamente lo stile shimizuiano - spazi aperti, grandi vie, soggettive, carrellate laterali negli interni, primissimi piani centrati - e amplia le gag comiche. Purtroppo dura 20' in più circa; in questo modo Ishii ne diluisce la bellezza caduca, il velo verecondo e impalpabile, il parallelo sinestetico "esperienza visiva-tattile" alla base del film. Il bel finale viene mantenuto: Tokuichi, oramai innamorato, correre incontro a Michiho in partenza per la città, ma l'impresa si rivela impossibile. Molto naturali e dilettevoli le gag aggiunte, come quella fra il gruppo di ragazzi e ragazze.
Uscito da un mese più o meno, già rarissimo a reperirsi: vergogna!
Purtroppo non viene riproposta l'ultima inquadratura dello Shimizu che oltre ad essere per me la scena più fascinosa dell'intero film, è uno degli attimi di cinema più impressionanti in assoluto - un solo istante dura... -. Domani rivedo l'originale per metterli meglio a confronto. Nel frattempo a Ishii spetta un bel "Bravo!".

Witold Giersz: Czerwone I Czarne (1964), Maly Western (1961)

2009-01-03T16:48:00.003+01:00

Concludiamo con Giersz; gli ultimi due corti reperibili: il primo è il meno bello, il secondo è visivamente, dopo Kon, il migliore. Kon rimane il migliore anche a livello tematico.
Download.

The Primer (Elementarz, Wojciech Wiszniewski, 1976, 9')

2008-12-28T11:51:00.009+01:00

Continuo col cinema dell'est Europa che mai sarà veramente celebrato. The Primer è opera validissima di un maestro polacco del documentario - di cui so poco anche io - deceduto a soli 35 anni per un infarto. L'uscita di questo breve film, come per altri suoi lavori, fu rimandata di cinque anni, ovvero dopo la morte dell'autore, dalle autorità comuniste; ritardo dovuto a causa del ritratto molto pessimistico della società riscontrabile nel cortometraggio.
Ne Il Sillabario, la società riesce soltanto a pronunciare le lettere dell'alfabeto, a comunicare soltanto tramite gesti e versi inarticolati. Filmato in luoghi caliginosi, tra misteriosi individui, è un'indagine sociologica condotta a guisa d'opera surrealista. Le domande che vengono poste dai gruppi ai singoli, spesso giovanissimi, appaiono quasi irreali e l'ultimo quesito non poteva che essere lasciato in sospeso.

Il file in internet esiste, ma è talmente raro che facendo una ricerca non viene trovato, per cui l'ho caricato qui come al solito sperando che non facciano storie. Sottotitoli tradotti e già compresi nell'archivio.
Nel film, viene utilizzata una composizione di Beethoven, tra le sue più celebri e anche tra le più usate nel cinema, ma non viene segnalata; per questo, ho scritto una nota nei titoli di coda. Siamo maniacali!

Diamonds Of The Night (Démanty Noci, Jan Nemec, 1964)

2008-12-27T11:35:00.008+01:00

Seconda guerra mondiale: due condannati a morte sono fuggiti. Potrebbe essere questo un valido calembour, giocando con un altro titolo, per descrivere in breve il primo lungometraggio di Jan Nemec. Condannati a morte perché deportati, la grande fuga verso la salvazione. Fuga esteticamente fascinosa, interiormente cruenta; tentativo volitivo, subitaneo eppure ignavo: i condannati a morte sono in fondo immobili, inermi di fronte al cacciatore. Fuga meravigliosamente girata tra le foreste ceche, paludose, insicure ma bellissime. Lungo solo 64 minuti, essenzialmente muto, Nemec compie un'elaborazione a metà tra il surrealismo e l'oggetto filmico bressoniano. Quando una delle due figure centrali sarà costretta a soddisfare un bisogno alimentare, si troverà di fronte al bivio: uccidere, non uccidere. Qui sta la geniale intuizione di Nemec: rappresentare una morte che non è mai avvenuta. Il fuggiasco non ucciderà sul serio, nel reale, la generosa donna; la di lei morte avverrà solo in sogno, nell'irreale. Più avanti, l'intuizione viene ampliata: Nemec preconizza la morte dei due fuggitivi, oramai catturati nuovamente dalle forze nemiche. In questo caso, si va oltre al concetto di morte irreale: vi si trova quello di morte come pura percezione, espressione materica, la morte in funzione prolettica.
Innovativo, e come già detto profondamente bressoniano, è tra i migliori prodotti della Nova Vlna, da poco disponibile restaurato in DVD - all'estero, s'intende -.

Harold Pinter (1930 - 2008)

2008-12-25T17:28:00.002+01:00

Se ne va un grandissimo scrittore, sceneggiatore importantissimo. Alcuni dei suoi lavori più famosi per il cinema: The Servant, The Go-Between, The Accident - tutti girati da maestro Losey.

Merry Christmas a tutti i lettori - Anche questo fa parte degli English Landscapes, in un certo senso!

2008-12-24T12:39:00.004+01:00

Robert Mulligan (1925 - 2008)

2008-12-22T11:24:00.005+01:00

Muore un validissimo uomo, intimista, autore di bellissimi drammi provinciali, i cui primi film sono tra i più introvabili e dimenticati, come lo sono la maggior parte. Avevo scritto mesi fa a Raitre per far sì che mandassero qualcuno di questi, ma ovviamente non risposero neanche. Bene così.
E tanto per precisare: To Kill a Mockingbird è uno dei più grandi capolavori del cinema.

Brevi Giorni Selvaggi (Last Summer, Frank Perry, 1969)

2008-12-20T11:45:00.006+01:00

Davvero da riscoprire questo Perry, tra gli autori americani più independenti e dimenticati.
La prima analogia col suo esordio è l'incipit in medias res: stavolta Perry non si preoccupa nemmeno di condurre lo spettatore nel complesso psichiatrico; stavolta, ci mette davanti al fotogramma vero e proprio che darà inizio alla sequenza! È evidente già da qui che a Perry non va di perdersi in prolissità. Il fotogramma che ci mette davanti è quello di una piccola spiaggia ospitante due giovani ragazzi, due dei quattro personaggi al centro del film, tutti alle prese con un maiden voyage, un viaggio inaugurale. Tra i quattro personaggi, sono quelli femminili quelli meglio delineati. Sandy, interpretata dalla divina ventunenne Barbara Hershey al suo primo vero ruolo da protagonista, cattura immeditamente lo sguardo soprattutto per la sua naturalezza. In una gita in barca confessa di sentirsi superiore alla media: questo il primo nodo del personaggio e del film. Col passare del tempo, infatti, si osserverà come questa affermazione si riveli del tutto errata; importante, ad esempio, l'uccisione del gabbiano a cui tanto teneva e che aveva addomesticato. In séguito, confesserà di averlo ucciso perché "ingrato" nei suoi confronti. Questo ed altri comportamenti, alcuni molto puerili, fanno comprendere come Sandy sia tutto tranne che superiore alla media. Anzi, a volte se ne deduce che soffra di lievi complessi d'inferiorità, di piccoli timori di non essere ascoltata, compresa.
L'altro personaggio importante è Rhoda - un'eccellente Catherine Burns, che dopo un altro film e qualche comparsata televisiva, scomparirà inspiegabilmente nel nulla -. Personaggio che all'inizio lo spettatore intende come marginale, intrusivo e che invece diviene vieppiù importante, fino a divenire personaggio chiave del film: si veda il crudo finale, ad esempio. Splendido il suo monologo in cui narra la scomparsa della madre, sorprendente la sua maturità nell'osservazione, nel sussiego - tutto l'opposto di Sandy -.
Il luogo in cui si svolge la vicenda, la spiaggia, il mare; luogo edenico che tuttavia asconde insidie. Tra i primi che mi vengono alla mente: il finale di Interiors , il geniale uso che ne fa Kitano ne Il silenzio sul Mare, il capolavoro Un Mercoledì da Leoni di Milius, un altro beach movie - se così si vuole chiamarlo, termine per me detestabile - affine a questo Last Summer. Da non sottovalutare l'atmosfera di pericolo perpetuo che avvolge Last Summer, quei segnali forieri di qualcosa che dovrà avvenire e che lo spettatore può soltanto imamginare: la surriferita uccisione dell'uccello, la scena omosessuale sulla spiaggia, i racconti delle due ragazze. Basandosi soprattutto sul dialogo, il film prende forma. Per Perry, l'oggetto filmico è come per Rohmer: il senso si forma in fieri attraverso la parole. Una sorta di Rohmer, ma più mobile, in cui il movimento conta un poco di più.
Sceneggiato nuovamente dalla moglie Eleanor, realizzato con pochissimo e caduto presto nell'oblio.

Leggevo su forum inglesi che la maggior parte di quelli che lo hanno visto, non ne hanno traccia dal 1969...
Un grazie infinite a Christian di Tomobiki Marchenland che mi ha gentilmente inviato una copia doppiata del film, copia che aveva fortunatamente registrata circa dieci anni fa da Raitre.
Per chi fosse curioso a riguardo: è introvabile via internet, ma qui è possibile acquistarne delle copie - passaggio da VHS a DVD -. Da prendere seriamente in considerazione in quanto apprendo: "On 02/21/06 - The Home Theater Forum held a live chat with Warner Home Video and someone asked about 'Last Summer' coming to dvd and their reply was : "We've discussed LAST SUMMER... but no date is set yet."

Bavel's Book (Bavel no Hon, Yamamura Koji, 1996, 5')

2008-12-17T11:19:00.004+01:00

Ecco uno dei pochi corti disponibili di questo Yamamura. Ci sono una decina di frasi non tradotte, ma non sono importanti per la comprensione. Essenzialmente comunque: "Fratellone!" "Fratellone, aspetta!". Sì, è vero, il dialogo non è importante per Koji! Download.

A Country Doctor (Yamamura Koji, 2007)

2008-12-16T17:40:00.004+01:00

Uscito l'ultimo suo corto, bellissimo. Compratelo. Tra i più bravi su piazza, se non il migliore.

Hazard (Sono Sion, 2005)

2008-12-15T13:57:00.008+01:00

Premetto che quanto seguirà non sarà il solito Dan's post (sic!), ma anzi piuttosto un commento svagato e divertito.
E allora questo Sono Sion è intrigante ma non riesce a sviluppare le idee, come se non riuscisse a separare quelle buone dal caos che gli gira per la testa. Inizia come puro intrattenimento, diverte addirittura, tra risse negre e "Yo, motherfucker, fuck out" (grandi i neri che muovono a scatti la testa a ritmo di "Motherfucker"). Ambientato in NY, sempre bellissima. Bellissime le sequenze in digitale, tutto sgranato. Mi piace un mucchio il digitale e infatti ho apprezzato tantisismo i titoli di testa, con un digitale ancor più sgranato. Bellissima quell'altra scena dello sdoppiamento di Odagiri, realizzato con un ralenti e sovrimpressioni, suppongo. C'è la grande scena al locale in cui si scontrano "Japs" e "Chinaman" coi fuciloni a pompa e pistole. Cominciano a sparare, ma non accade nulla: era tutto preparato e Odagiri per terra, morto di spavento ché non sapeva niente dell'amicizia tra gang. Quasi tutto così, poi diventa un film tristissimo, tutti morti per sbaglio, Odagiri con le piume, etc. Finale che non so come abbia fatto a girarlo: la pellicola a colori diviene poco a poco in b/w. Come sarà stato realizzato per curiosità? Siamo dalle parti di Suicide Circle: film sul quale avrei scommesso poco e niente, e che per motivi differenti ho gradito. In Hazard, specialmente, si intravedono dei segnali di miglioramento di Sono.
Un regista che, per ciò che ho visto, a me alla fine piace, a parte Noriko che lo inserisco tra i primi film, nella storia, da evitare. L'ultima mezz'ora di Hazard fa quasi piangere, è bellissima. Adesso, esigo solo che Sono organizzi meglio le idee nei prossimi film, e sicuramente, visto il trailer, Love Exposure non è da includere... Comunque, tra i più interessanti ora come ora. L'altro bell'aspetto è che potrei stare a descrivere minuto per minuto ciò che accade nei suoi film, senza pericolo di spoiler.

Presents: Esperalia (Jerzy Kalina, 1983)

2008-12-15T12:44:00.002+01:00

Altro curiosissimo corto polacco. Stavolta non so proprio come abbia fatto a realizzarlo. Bellisimo, anche se il significato sfugge in parte.
Download.

Comunità: The Auteurs

2008-12-12T20:51:00.003+01:00

The Auteurs era, ed è, un blog canadese - che per pura casualità seguivo anche! - In séguito, hanno, non so in che modo, ottenuto il permesso di costituire insieme al sito Criterion una nuova community. Già sono centenaia gli iscritti da tutto il mondo. Essenzialmente a cosa serve? Oltre ad essere un comune forum, permette di vedere in altà qualità in streaming, diversi film che in futuro, si pensa, aumenteranno. Ha anche funzioni da blog. L'utente può proporre recensioni di qualsiasi film, a meno che non siano già state scritte, le quali possono essere commentate, etc. Ovviamente è preferibile utilizzare l'inglese. È anche fonte di notizie, retrospettive, trasmissioni TV, strumento per proporre titoli obliati da pubblicare, etc. Volendo, è possibile votare i film presenti nel database.
Non vi resta che andare qui e iscrivervi:
http://www.theauteurs.com/dashboard
Per curiosi...

Music In Darkness (Musik I Morker, Ingmar Bergman, 1948)

2008-12-11T18:25:00.002+01:00

Presents: The Old Cowboy (Stary Kowboj, Witold Giersz, 1973)

2008-12-10T23:22:00.004+01:00

Il western secondo Giersz. Di nuovo lui, animatore davvero unico. Peccato sia troppo breve.
Download.

Nata Ieri (Born Yesterday, George Cukor, 1950)

2008-12-10T10:49:00.002+01:00

Partiamo dalla caratterizzazione dei personaggi attorno alla quale ruota l'intera commedia nera: W. Holden è il lato istruito e pugnace dell'America, e più precisamente del mondo; Broderick Crawford è il tiranno, rappresenta il lato egoistico, senza scrupoli, avido; i seguaci del tiranno, F. Otto e H. St. John sono in parte dei "nati ieri", ma che persistono nella loro "classe", perdendo ogni dignità; J. Holliday è pur anco una "nata ieri", ma è l'elemento metamorfico, e riferito all'oggetto filmico e riferito all'aspetto più fisico. In teoria, già un autore che mette in scena una complessità di questo livello è superiore a parecchi altri. Originariamente, tutto principia quando Crawford, visto il grado di idiozia della fidanzata Holliday, intende farla istruire. Da qui, Holliday prende poco a poco coscienza della sua situazione. C'è un frammento, incredibile e quasi unico a vedersi in una commedia, cruentissimo: gli schiaffi di Crawford a Holliday per obbligarla a firmare delle carte illegali, perniciose. Sì, certo, qualche schiaffo e litigio càpitano anche in altre commedie, ma se si fa attenzione a quell'istante, si noterà come sia distante miglia dalla commedia. Sarà infatti il punto di rottura del film. Sia chiaro: di punti di rottura ce n'erano stati già prima ma è questo quello fondamentale. Se la prima rilevante metamorfosi in Holliday si ha quando essa viene a conoscenza dei traffici del convivente e della vita cieca che finora aveva condotto, quello su citato è il momento in cui essa si riconosce, e desidera la propria libertà, rivendica la propria identità. Celebre, sì, la partita a carte tra i due, ma soprattutto per il lato comico; c'è invece in quella sequenza, uno dei passi che più evidenzia la fragilità di Crawford, che evidenzia la sua mentalità chiusa. Questo tratto verrà evidenziato da Holden più avanti: "Non è colpa sua, è nato così". È una rinuncia, una rassegnazione di Cukor verso un determinato tipo di società che solo grazie al finale viene un poco sfumata. Da menzionare le metafore più pertinenti a un grande scrittore che a un regista, come tutte le battute sul governo, i calembour tra il foglio ingiallito e la Costituzione e via dicendo. È una commedia che fa piangere e questo è uno dei risultati più elevati a cui un autore possa ambire. Faceva parte di quegli autori incredibili venuti fuori da chissà dove: Preston Sturges, Capra, in parte Hawks che purtroppo fu uno dei meno liberi in quanto sempre sotto pressione degli studi e perciò meno facente parte di questa categoria. Un genere di commedia, satira, nella quale l'autore, prima, dopo e durante la stesura sente davvero la crisi. Lindsay Anderson è un altro che apparteneva alla prima categoria. Ecco, da non confondere con commedie o film anche d'altro genere dei Coen e altri, che seppur ben realizzate, sono costruite spesso dall'esterno.

Un severo apologo di Cukor.

Attenzione: Hideko, The Bus Conductress (Hideko No Shasho-san, Naruse Mikio, 1941)

2008-12-07T18:43:00.003+01:00

Una informazione: ho da qualche giorno trovato questo rarissimo Naruse. Leggo infatti che è stato rilasciato, su internet, a fine settembre. È una registrazione TV, di ottima qualità, e i sottotitoli non sono da meno in quanto sono una trascrizione di sottotitoli inglesi provenienti da VHS. È un mediometraggio, che non sembra sia andato in parte perduto, ma si suppone sia nato proprio come mediometraggio. Sicuramente minore, e personalmente è il peggior Naruse che abbia visto, ma ogni suo film è da desiderare e possedere. Nella prima parte, c'è un rimando a Mr. Thank You (Arigato-san, 1936), il film più famoso di Shimizu, un altro maestro ancora meno noto di Naruse. Colgo l'occasione per ricordare che quest'anno la Shochiku ha finalmente iniziato ad occuparsi del restauro degli Shimizu e finora ha pubblicato due cofanetti, uno dei quali già segnalato, e ai quali ne seguiranno altri. Se ci sono dubbi sui titoli usciti, io sono qui.
Sottotitoli inglesi ritoccati di Hideko, the Bus Conductress.

Presents: The Horse (Kon, Witold Giersz, 1967)

2008-12-06T18:04:00.003+01:00

Ecco un altro bel corto animato polacco, uno dei lavori che più s'avvicina alla pittura vera e propria.
Download.

David And Lisa (Frank Perry, 1962)

2008-12-05T23:14:00.008+01:00

David Clemens è affetto da una fobia: l'essere toccato, sfiorato; Lisa Brandt è schizofrenica. Siamo nel genere "psichiatria". Frank Perry ci risparmia, o meglio ci asconde, tutte le cause e le vicissitudini dei nostri protagonisti, conducendoci direttamente nell'ospedale psichiatrico: un ottimo esempio di film in medias res. Già un punto a favore. David (il notevole Keir Dullea), ragazzo severo, atarassico e in fondo fragilissimo, oltre alla sua fobia, sembra esser perseguitato quasi fisicamente dal tempo: come gli verrà diagnosticato, esso rappresenta essenzialmente il timore della morte; timore che elude fuggendo, letteralmente o mentalmente. Perry ci mostra, e ci spiega in guisa surrealistica, il timore di David tramite due sogni: è David che governa la lancetta del tempo, quindi la morte, quindi la vita delle persone a lui temporaneamente ostili.
È un'intuizione notevole, soprattutto se si pensa che il film non è affatto surrealista, bensì realista. Lisa, d'altro canto, si disconosce, si personifica in oggetti. Sarà grazie al rapporto in fieri tra lei e David che giungerà alla materializzazione di se stessa: "I'm a girl".

È un tratto ingenuo quanto efficace. Un tratto che può essere paragonato a quello del magnifico Lilith. Ciò che diviene tautologico in David and Lisa verso la fine, è l'analisi psicanalatica: è come se il film rinchiudesse se stesso in un'osservazione di casi clinici. Fase che fortunatamente dura pochi minuti; c'è il finale, seppur forse prevedibile, che risolve tutto. La regia vereconda, lineare, segue ottimamente i personaggi, a volte con brevi movimenti. Non è all'altezza, ad esempio, del citato Lilith: qui non c'è quel terrore impalpabile, soffuso; non c'è quell'imprevedibilità; è meno complesso. Ma, più semplicemente, non è all'altezza perché Rossen è stato uno dei più grandi in assoluto.

Limite (Mario Peixoto, 1931)

2008-12-04T17:03:00.003+01:00

In una barca, due donne e un uomo ricordano eventi passati. Una donna è un'evasa, l'altra è sull'orlo della disperazione, l'uomo rimpiange un amore perduto. Dopo molte vicissitudini, giungeranno al limite della loro esistenza.
Pellicola assai insolita, che lascia dubbi sulla propria compiutezza, ma che lascia finanche esterreffatti. Preferisco riassumerlo in punti:
1. È un film muto che si basa essenzialmente sul dettaglio. Mai visto un film, che più di questo, eviti intenzionalmente la linearità e la narrazione. Addirittura, non fa quasi uso di cartelli; e dura due ore.
2. Considerato il classico brasiliano per antonomasia, sebbene non sia affatto noto.
3. Il restauro iniziò nel 1959, e terminò nel 1978 circa, anno in cui venne presentato in diversi festival. Soltanto una breve sequenza è andata perduta.
4. È uno dei film d'avanguardia più insoliti che si possano vedere.
5. Fu l'unico film di Peixoto, che lo girò a 21 anni. Prima di allora, frequentò uan scuola in Inghilterra dove venne a conoscenza del cinema d'avanguardia europeo. Limite, di fatti, verrà apprezzato anche da Pudovkin ed altri sovietici. Sicuramente, parte dell'ispirazone viene da lì.
6. Sarebbe stato bello vedere come Peixoto avrebbe mutato la sua idea di cinema, che qui è sicuramente innovativa, ma non del tutto coesa. Giusto per dare un voto: 5/10, 6/10. Che in "scala di valori Dan" significa un gran potenziale che riesce solo in parte a manifestarsi.
7. Ho tradotte quelle poche battute, chiaramente! Sottotitoli it. qui. Edizione da 701 MB.

Che dire di più? Lasciatevi trasportare al limite.

So Is This (Michael Snow, 1982)

2008-11-28T12:47:00.003+01:00

Sicuramente uno dei suoi lavori migliori. A tratti davvero bellisimo.
Michael Snow è stato, ed è ancora, uno dei massimi sperimentatori, e anche il più celebre. Il suo lavoro più noto è il pessimo Wavelength (1967), un testo strutturalista sull'immagine.
In questo meno noto So is This, invece, Snow analizza letteralmente il testo filmico. Cos'è un testo filmico? Il testo filmico è un testo? Certamente, allora perché non trasmutare l'immagine, ovvero il testo visivo, in parole, ovvero il testo vero e proprio?
Durante 48 minuti, in completo silenzio e su schermo nero, compaiono parole, una alla volta, in genere bianche, a comporre un discorso sul testo. Come scriverà Snow, alcuni paragrafi sono puro diletto e non hanno fini. Per il resto, si diverte con i censori, riflette tristemente, ma facendolo sembrare un diletto, sul cinema marginale, "perché fare un film che non vedrà mai nessuno?". Alla comparsa di alcuni vocaboli come "length", il testo rimane più tempo sullo schermo; in séguito, verrà fatto un discorso sulla velocità delle parole che verrà metaforicamente utilizzato per delineare un semplice fatto: "You can't satisfy everybody". Successivamente, viene proposto un riassunto su uno sfondo colorato, composto dalle parole finora comparse ma più rapidamente e saltando parti; una volta finito, Snow utlizza il riassunto per evidenziare quanto un semplice strumento possa essere mal utilizzato. Ci sono altre due aspetti importanti verso la fine, ma non rivelo di più. Essenziale.

Presents: The Last (Poslednij, Aleksandr Shchepetov, 1991, 10')

2008-11-27T20:41:00.005+01:00

Sconosciuto, splendido, enigmatico corto russo realizzato con una tecnica speciale.
Download.

Presents: Akvarel (Otar Iosseliani, 1958, 10')

2008-11-25T17:39:00.007+01:00

Risolto il problema dei poster, ora dovrebbero vedersi. E quindi adesso un regalo: ho caricato il primo, dilettevole Iosseliani in cui verso metà corto compare anche Otar stesso! Potete salvarlo anche sul vostro HD.
Download.

Stasys Eidrigevicius (Lituania, 1949 - ): Poster

2008-11-25T13:38:00.014+01:00

Per completare il discorso su Dobranocka, ecco alcuni poster artistici di Stasys Eidrigevicius, dei alcuni sono dei capolavori. Alcuni ispirati da film, altri da libri, altri da composizioni musicali, altri di pura fantasia. Starei sempre a parlare dei polacchi, fosse per me.

Emigranci (Emigranti, 1988)

Wujaszek Wania (Zio Vanya, 1989)

Kserkses (Serse, 1991)

Nostalgia (Nostalgia, 1989)

Wielki teatr świata (Il Grande teatro del Mondo, 1989)

Fanny i Aleksander (Fanny e Alexander, 1989)

O diabełku który chciał być dobry (Un diavolo che voleva divenire buono, 1991)

Współczesne kino hiszpańskie (Cinema spagnolo contemporaneo, 1986)

Rzeźba sakralna z Tamilnadu (Scultura sacra di Tamilnad, 1989)

Dobranocka (Daniel Szczechura, 1997, 16')

2008-11-25T12:40:00.006+01:00

Un misterioso cortometraggio polacco animato, l'unica opera che per ora è reperibile dell'autore.
Una favola riguardo la ricerca della felicità, sulle traversie per cercare d'ottenerla. Il finale è piuttosto ottimistico, e ciò non si direbbe guardando il corto: cupo, claustrale, allucinato. Credo sia proprio questo il suo punto di forza. Basato su un testo di Jan Wolek ed i disegni originali di Stasys Eidrigevicius, un artista, tra le arte cose creatore di alcuni dei bellissimi poster polacchi.

Sottotitoli italiani. Rimaneva un passaggio non chiaro, ma ho cercato di renderlo nel miglior modo possibile.

Traduco un breve testo per inquadrare l'autore:
"Non vedo la ragione per cui nascondere che sono stato ispirato dai lavori di Lenica e Borowczyk;
la tecnica del cut-out mi ha permesso di liberarmi dal fardello di molti animatori, disegnatori, assistenti. Questa tecnica rivoluzionò l'animazione: il campo del soggetto animato risultò essere più libero e ampio con l'introduzione del cut-out."
(cfr. Nie tylko Disney: rzecz o filmie animowanym, Disney Was Not Alone: On Animated Film, Varsavia, 2000).

Mizoguchi Kenji: Tokyo koshin-kyoku (Tokyo March, 1929) - Orizuru Osen (The Downfall of Osen, 1935)

2008-11-24T11:43:00.008+01:00

Invece di parlare degli ultimi moralisti, prescindibili Eastwood e Scott, voglio far luce su due titoli del Maestro che sono rimasti sempre tra i meno celebri. Ciò per un motivo: prima di qualche mese fa, erano introvabili! Invece grazie alla meritoria opera della Digital MEME ora sono sul mercato.
Orizuru Osen (The Downfall of Osen, 1935)

Sera. Un treno tarda ad arrivare, tra le grida degli impazienti e dei controllori. Da qui Mizoguchi, architetta una analessi che durerà tutto il film: i ricordi di un uomo, e successivamente di una donna, in attesa di quel treno. Ricordi della loro gioventù. Non solo è semplice, efficace, ma è tra gli inizi più esteticamente affascinanti della storia. Parlo delle sequenze ambientate nella foresta sotto la luna pallida d'agosto, la foschia, i corpi del giovane protagonista e della bellissima Yamada Isuzu sferzati dal vento impetuoso, l'inquadratura delle foglie come simbolo del passaggio del tempo e della transitorietà della vita (fig. 2). Quest'ultimo carattere tornerà anche nel finale.
Bellezza pittorica e bellezza mobilissima, assai strano per quegli anni: si pensi soltanto che fino agli anni '40 era proibito far notare i movimenti della camera. Ad esempio, Lubitsch e Ophuls furono criticatissimi per certe scelte. Riguardo Vidor invece, il regista più mobile in assoluto, non ho mai letto di accuse, ma sicuramente a suo tempo le avrà ricevute anche lui. Oltretutto, questi movimenti donano a Orizuru Osen quella fluidità che si prova davvero esclusivamente guardando le opere dei maestri summentovati. Ho voluto rivedere alcune sequenze per osservarne meglio i movimenti, per rilevarne la funzionalità, o semplicemente per osservarli di nuovo, e devo dire che scene come quella al ristorante, la carrellata laterale nella casa sono ineccepibili. Bellissime altre due invenzioni stilistiche verso la fine: mentre viene portata via dalla polizia, Osen afferra con la bocca un foglio di carta deformato e soffia; col cambio d'inquadratura, Mizoguchi lo trasforma in un aeroplanino di carta, augurio verso il suo protetto, Sokichi: "May you rise high in the world, higher than the sky!" L'altra invenzione sono le sovrimpressioni (fig. 1). Prima, ho detto protetto e non protettore. Un errore? No! Mizoguchi già ad inizio anni '30 capovolgeva i ruoli, invertendone l'ordine: non è l'uomo a proteggere, ad avere influenza, ma la donna. Torna la tematica del film Taki no Shiraito (1933), ma qui resa ancora meglio. Sono sicuro che fu assai criticato per questo.
Fu l'ultimo capitolo della trilogia ispirata all’opera di Izumi Kyola, di cui fanno parte Nihon bashi e Taki no Shiraito (1933). Anche per questo motivo, il meraviglioso Orizuru Osen, ultimo film muto di Mizoguchi, condivide dei caratteri con quel film. Nihon bashi è forse andato perduto. Sato Tadao scrive che dei circa 60 muti, ne rimagono soltanto sei; alcuni, vi assicuro, frammentari. Ma noi non lo crediamo e speriamo che qualcuno li riscopra in soffitta.
Se non fossero esistiti i film dei '50, probabilmente questo sarebbe stato il suo capolavoro.
Una menzione d'onore per il restauro, sia per l'immagine sia per la colonna sonora. Uno dei migliori che abbia visto.

Non parlo di Tokyo March, perché è uno di quei film di cui rimane poco, quindi rimando alla nota.

Nota per i sottotitoli:
Tokyo March (1929) - Ne restano 24 minuti, così il film è ingiudicabile. Se ne possono apprezzare degli elementi, ma per il resto... Adunque: se si possiede il DVD non c'è problema, i miei sottotitoli si associano perfettamente. E vale la stessa regola di cui parlavo negli altri muti giapponesi della stessa casa editrice. Per gli altri: quella su emule non è la pellicola originale, avendo i cartelli in francese. È però reperibile via torrent qui. Sottotitoli su subscene.
Orizuru Osen (1935) - Reperibile anche con emule. Di questo non ho tradotto nulla e allego quelli inglesi che però vanno associati alla seconda traccia audio: stranamente, in questa traccia, il benshi si limita a leggere i cartelli e completare, con una manciata di battute assolutamente non perniciose, qualche scena. Quindi non è un vero benshi, ma piuttosto un lettore. Nella prima traccia c'è invece il benshi normale che proibisco! Ecco i sottotitoli inglesi.

Institute Benjamenta, or This Dream People Call Human Life (Stephen Quay, Timothy Quay, 1995)

2008-11-21T13:45:00.007+01:00

Ennesimo grande film, il primo lungometraggio per i fratelli americani, ma in fondo inglesi (emigrarono il prima possibile dagli States per andare a lavorare, e vivere, a Londra). Il primo film in cui lavorarono con attori in carne e ossa, invece di manipolare marionette. E non mi sarei mai aspettato che il risultato sarebbe stato così buono. La trama? Jakob arriva all'Istituto Benjamenta, una scuola per camerieri, o meglio servitori, gestita da Johannes e Lisa Benjamenta, fratello e sorella tra cui sembra, verso la fine, di avvertire un clima di vicende incestuose. Entrambi apparentemente risoluti, ma in fondo fragilissimi: la ninfa Lisa sull'orlo della disperazione, di un annichilimento interiore che avvertiamo solamente, e Johannes che dimostrerà affetto verso il nuovo arrivato, Jakob. Pellicola molto impegnativa e impegnata, faticoso seguire le sequenze, faticoso seguire i pochi dialoghi in inglese misto ad accenti tedeschi. I Quay applicano di nuovo una fotografia non lucida, ma sporca e al contempo accecante; riescono a farlo, sia con l'utilizzo delle luci, sia sporcando la lente dell'obiettivo, dando pur anco un effetto di messa a fuoco imperfetta. Surrealismo, onirismo a volte non giustificato, ma ciò rappresenta solo un difetto minimo di uno dei film, per me, più importanti della decade.

English Landscapes: The Edge Of The World (Michael Powell, 1937)

2008-11-16T12:50:00.004+01:00

Ho visto un capolavoro. Spero di poterne scrivere un articolo esaustivo il prima possibile, intanto dico che in questo primo indipendente di Michael Powell (insieme a Pressburger, indiscutibilmente il più grande autore cinematografico mai esistito) si discute del panteismo e dell'influsso della natura sull'umanità come in quasi nessun'altra pellicola. Mi viene in mente una ri-visione di Christian: Mononoke-hime. Uno dei pochi capolavori che riescono a dargli filo da torcere. Ci ho visto influenze di un altrettanto sconosciuto capolavoro russo dell'anno precedente, Vicino al Mare Più Azzurro; ma più per coincidenze che per altri motivi. Invece, sto pensando di fare nello stesso articolo un parallelo con un bellissimo corto del 1947. Ne riparlerò sicuramente. Sto pensando anche di tradurre quelle 500 battute tanto per farlo conoscere.
Sulla seconda traccia audio, è disponibile anche il commento, durante tutto il film, del critico Ian Christie e la vedova di Michael, la celeberrima Thelma Schoonmaker.

Inazuman (1973) - DVD!

2008-11-14T12:15:00.002+01:00

Meraviglioso, non l'ho mai visto, ma sarà un must.
Una delle storiche serie anni '70, uscirà il 20 novembre (all'estero, eh) in un'edizione a 4 dischi.
Episodi: 25.

Libera traduzione di http://jfilmpowwow.blogspot.com/2008/11/19...-on-region.html
La serie narra le avventure di Goro Watari, uno studente, che per puro caso scopre di essere un mutante con il potere di assumere non una, ma ben due personalità differenti! Assieme ai membri della "Lega della gioventù", un gruppo di spaventosi mutanti, Inazuman (un calembour, "uomo-fulmine" NdT) combatte le forze del male extraterrestri del "Neo-Human Empire’s Fantom Army".

Sigla

DVD boxset:

The Flying Phantom Ship (Sora Tobu Yureisen, Ikeda Hiroshi, 1969)

2008-11-13T18:22:00.005+01:00

The Flying Phantom Ship è una collaborazione tra Giappone e Russia, prodotto nel 1969 dalla Toei Animation.
Fu uno dei primi film d'animazione ad andare in onda sulle televisioni russe, tanto che venne addirittura doppiato in russo; e la copia che abbiamo è proprio questa.
Tra gli animatori principali compare Miyazaki; fu uno dei suoi primissimi progetti. Si narra che abbia partecipato alle animazioni dei robot.
Hayato e i suoi genitori, dopo una gita in barca, assistono ad un incidente automobilistico che coinvolge un ricco e potente industriale, il signor Kuroshio. In seguito, la città viene improvvisamente attaccata da un gigantesco robot, il temibile GiRo, che si dice "messaggero della Nave Fantasma".
Tra le tante vittime della sua furia distruttrice, vi sono i genitori di Hayato. Rimasto solo al mondo, d'ora in poi Hayato avrò come unico fine quello di vendicare la sua famiglia.
Una volta nell'abitazione dell'umbratile Kuroshio, dimora di apparente stabilità e quiete, Hayato verrà a conoscenza di incredibili verità. Ad aiutarlo nella lotta contro la corrosiva Boa Juice, sarà un misterioso Capitano Fantasma...
Oltre alla ridicolizzazione del potere ("Guarda quanta scena per nulla!") si aggiunge la temerità del nostro giovane eroe pronto a tutto ("E i militari cosa fanno?" "Chieda al capo della difesa di arruolarmi nel reggimento!").
Prendendola seriamentre, il film sviluppa contemporaneaente trame fantastiche, fantascientifiche, antimilitaristiche, prendendo spunto anche da maestro Honda. Si vedano gli effetti della Boa Juice, i robot, l'alone di mistero che circonda Hayato e la sua famiglia. Caratteri rilevanti anche se si pensa all'anno di distribuzione: fu un precursore. Purtroppo il copione, specie i dialoghi del giovane eroe, sono pesantemente didascalici. I temi summentovati avrebbero ovviamente richiesto più serietà, pur restando comunque scandalosi in certi frangenti.
Riscoprite questo seminale titolo completamente obliato.

Disponibili, da oggi, i miei nuovi sott. rilasciati su Asianworld.
Buona visione!

Pellicole da evitare.

2008-11-11T18:43:00.010+01:00

Appunti: pellicole da evitare. E che quindi accennerrò solamente!

Hansel And Gretel (Yim Pil-Sung, 2007)

When Eun-soo gets lost in a country road, he meets a mysterious girl and is led to her fairytale ike house in the middle of the forest. There, Eun-soo is trapped with the girl and her siblings who never age. Eun-soo finally discovers a way out which is written on a fairy tale book. But the book tells a story of none other than himself!

Intrigante inizialmente; esteriormente molto curato, anche troppo. C'è il Burton dei tempi migliori, ma è davvero prolisso e triviale. Pessime analessi e protagonista-mummia. Quando questi nuovi registi asiatici capiranno che la sintesi è un aspetto davvero rilevante, saremo un passo avanti.

Katatsumori (Kawase Naomi, 1994, 39')
Mediometraggio della regista facente parte dei suoi primi tentativi cinematografici, per omaggiare, e quindi in futuro ricordare, la nonna. Se non fosse per quelle poche diapositive, non sarebbe neanche da considerare un prodotto cinematografico, in quanto è un semplice assemblaggio di sequenze amatoriali.
Interessante se si intende osservare due nonnine imbarazzate dedite al giardinaggio, e la Kawase a 24 anni.

È tutto!

Honda Ishiro!

2008-11-08T13:02:00.002+01:00

Dal primo novembre è attivo il più completo riferimento in linea riguardo maestro Honda. Si tratta di una traduzione del maggiore sito in lingua giapponese con alcune aggiunte. Il sito è ovviamente "work in progress". A margine, è disponibile un comunicato della moglie.

Official Honda Ishiro Website

Best Sequences Ever, Part 1

2008-11-03T19:34:00.003+01:00

A rischio di spoiler, ma pazienza.

Mickey One (Arthur Penn, 1965)

2008-11-01T12:50:00.004+01:00

Un accenno, giusto per dire che è finalmente comparso da pochi dì (non sul mercato) questo film irreperibile che desideravo da millenni, sia sottotitolato in italiano, sia in VO.
E molto brevemente: Mickey One è influenzatissimo dal cinema giapponese dei primi '60; è anche il Penn in cui si notano più gli stilemi Nouvelle Vague, ma il cinema del Nihon predomina. Oltre alla minaccia sempiterna, come sempre nel suo essere metacinematografico, Penn aggiunge, nella strepitosa prima sequenza del riflettore, il pubblico assassino. Peccato che poi debba mostrarlo nuovamente nel finale, che quindi diviene pleonastico. Ah! Questi occidentali che ri-mostrano! Compaiono anche diversi cenni autobiografici, verbigrazia la breve confessione di Beatty riguardo il teatro.
Lo desideravo anche per via delle musiche jazz in cui vi partecipa Stan Getz, ma sono poco sfruttate, credevo fossero più sostanziose! Dannato Arthur, avresti dovuto sfruttarle di più! Tuttavia un ottimo film.

William Klein, Parte Prima

2008-10-31T11:53:00.019+01:00

William Klein (New York, 1928 -) inizia la sua vita artistica con la pittura, subito dopo aver abbandonato l'amata, odiata America e stabilitosi a Parigi. Inizia a fondere l'architettura, la pittura e la società per dar vita alle sue prime mostre. La fotografia ha su di lui un grande fascino. In quel periodo, il fotografo più imitato e ascoltato era il celebre Henri-Cartier Bresson che professava "obiettività, eleganza, misura, distanza e discrezione". Klein torna un periodo in USA per ritrovare ispirazioni artistiche, libero da accademismi e preconcetti che consideravano scarse le foto sgranate, mosse o di cui si era ingrandito un solo particolare. Di quel periodo Klein racconta: "era come se fossi un etnografo: trattavo i newyorkesi come un esploratore tratterebbe uno Zulu. Cercavo lo scatto più crudo, il grado zero della fotografia."
Sperimenta di tutto. Immagini accidentali, deformazioni, grana, il mosso. Scatta del sue foto senza puntare. Esagera la grana, il contrasto. Ingrandisce a dismisura.
E non si poteva certo aspettarsi altro da un anti-borghese. È così che nacque l'importantissimo libro Life is good and good for you in New York, considerato uno dei libri più importanti della storia della fotografia, che quindi costituirà finanche l'assioma del fotografo: foto sgranate, cruda realtà. Ovviamente criticato dall'America che "non voleva vedere", Klein si traferisce di nuovo in Francia dove riesce a pubblicare il suo libro grazie all'apporto di Chris Markèr, uno dei più grandi cineasti del '900. Da qui, inizia a disinteressarsi della fotografia (attività che però riprenderà a inizio anni '80) e si dedica al cinema. Il cinema di William Klein:

Who Are You, Polly Maggoo? (Qui etes-vous, Polly Maggoo?, 1966)

Come nell'arte fotografica, Klein inizia a scomporre e ricomporre il cinema tramite questa avventura urbana irreale, surrealista; l'avventura di una bellissima modella piuttosto sciocca e ingenua, che, come suggerisce il titolo, non sa chi sia. Si badi, non è questo l'interesse primario di Klein, è solo uno dei molti temi che inserisce. Viaggio parigino, ma in fondo apolide, mutua la nouvelle vague senza avvertire il bisogno di esserla, di personificarla; anzi gioca a sovvertirla, a criticarne gli eccessi: evidente, almeno ai miei occhi (gli abiti, gli innaturali soliloqui in automobile), la parodia del narcisistico Alphaville (1965), probabilmente proprio il film che più mise in mostra i limiti della new wave francese, che più le causò nocumento.
Nella prima sequenza, K. ci trascina nel bel mezzo di una sfilata di moda nefanda, opima di realtà mendaci e deplorevoli. Continua per un breve tratto, ma Klein non si limita neanche a questo. Allora decide di imporsi come precursore dell'esiziale spettacolarizzazione americana anni '70, mettendo in mostra sfilate, parate (che differenza c'è?...) in cui il pubblico applaude al nulla, come si vedrà nel finale; pubblico che sembra proprio significare "spettatore". Parate appositamente costruite per accogliere un principe, un principe che nel suo castello gioca con armi fittizie e fantasticherie, che viene appludito per le sue bizzarrie persino da un pubblico fuori schermo e immaginario; un principe che per Polly diverrà azzurro nei sogni. E l'onirismo per Klein non significa affatto il filmare la realtà del sogno, come per i più, ma rendere esso ancora più fittizio tramite disegni scevri da ogni pretesa di realismo. In preda alla svalutazione del sociale, K. conduce Polly in una cena: una delle sequenze più pregne. Si assiste in una riunione del manucare in cui Polly viene continuamente sbeffeggiata e nel frattempo compare in TV; freddure sull'oggetto "USA". Ma si scopre presto che la cena è a sua volta filmata e compare essa stessa in TV, durante un telegiornale condotto da Noiret! Lo spettacolo nello spettacolo, appunto: di nuovo a ribadire la frivolezza di un certo genere di "immagini", di sembianti - non mi sto ovviamente riferendo soltanto al discorso cinematografico -. Si potrebbe tranquillamente parlare di logorio dell'informazione, qui.
Verso la fine, frammento in cui la pellicola perde un poco di lucidità e che soffre di una ridondanza di fondo, si assiste ad accenni al musical, ma soprattutto K. condensa in una sola immagine il maccartismo, facendo incontrare agenti CIA che sospettano contatti col comunismo, e un russo uscito fuori da un film muto, e padre del principe Igor summentovato.
E Polly, nella folla vidoriana della parata conclusiva, si ritrova ad attendere indarno il suo Igor, che nel frattempo vestito da Lemmy Caution si dà ad un'altra donna in albergo.

Da notare, oltre gli inserti fotografici ovviamente notevoli, i titoli di coda più belli della storia disegnati da Roland Topor, tra i maggiori esponenti del surrealismo anni '60-'70.
Avrei voluto parlare di un altro suo film, qui, epperò mi rendo conto che ho scritto davvero troppo, perciò rimando al prossimo intervento che sarà sicuramente più breve, in quanto il film è meno complesso.

"Molto consapevolmente ho fatto il contrario di quello che si faceva. Pensavo che il fuori campo, il caso, l’utilizzazione dell’incidente, un altro rapporto con l’apparecchio avrebbero permesso di liberare l’immagine fotografica. Ci sono cose che solo un apparecchio fotografico può fare […] L’apparecchio può sorprenderci, bisogna aiutarlo." (W. Klein)

Ziegfeld Follies (1946)

2008-10-30T12:35:00.008+01:00

"Dopo aver passato la vita ad allestire grandiose riviste a Hollywood, Florenz Ziegfeld (1868-1932), il grande impresario, ottiene in Paradiso l'autorizzazione di metterne in scena un'altra."
Come spesso accade con Minnelli, la sequenza iniziale è inimmaginabile, minuti che vanno davvero oltre il cinema. Solo per l'incipit fantascientifico, Minnelli dovrebbe essere idolatrato. Quindi si arriva in Paradiso dove ad accoglierci c'è Ziegfeld (William Powell!), nostalgico verso i suoi spettacoli allestiti in vita, ma soprattutto in preda a lamenti funebri nei confronti d'un genere (il musical) oramai alla deriva: e Vincente non c'era andato mica tanto lontano! Allora si assiste addirittura a sequenze in stop motion che ritraggono la vita dello spettacolo anni '30 e vecchie stelle come il grande Will Rogers (ottimo comico dimenticato). Poi prende vita il film vero e proprio che altro non è che un'antologia, suddivisa in numeri comici e musicali, diretti da registi esperti e comparse occasionali. E se da una lato quelle comparse, riprononendo i loro numeri, producono esiti tutt'altro che felici, i più esperti, ma soprattutto coloro dotati del talento come per l'appunto Minnelli, riescono ad imprimere su pellicola le immagini più fascinose che l'occhio possa mai vedere. Impossible dimenticare la giostra gigantesca d'inizio, la coreografia finale con Kelly e Astaire. E proprio i due numeri con Astaire e Bremer, diretti guarda caso da Minnelli, sono dei capolavori insuperati: "This Heart of Mine" e "Limehouse Blues" (il secondo è indelebile anche per l'ambientazione asiatica e Fred vestito e truccato da cinese). Sotto la patina sardanapalesca della danza, della commedia muta, ascondono un pessimismo notevole. Basterebbero queste poche sequenze per smontare ogni critica nei confronti degli autori dei vecchi musical, genere a volte dipinto, da chi non lo conosce abbastanza, come frivolo e a sé stante. Ad averli ancora certi fenomeni!
Certo, poi... se si pensa agli scempi di Luhrmann & Company, allora sì che si preferirebbe farne a meno!

Reperibilità: sento nell'aria che l'uscita DVD è vicina, in quanto è da una settimana che viene trasmessa una nuova copia restaurata e ridoppiata. E infatti io ho subitamente de-selezionato la traccia (il ri-doppiaggio è un crimine) e l'ho visto in VO.

A Must: The Wolves (Shussho Iwai, Gosha Hideo, 1971)

2008-10-26T19:00:00.005+01:00

È finalmente uscita una nuova edizione DVD di questo lentissimo, bel Gosha, e con degli ottimi sottotitoli.
A must!

English Landscapes: The Blue Lamp (Basil Dearden, 1950)

2008-10-24T13:00:00.008+02:00

Diviso nettamente in due parti: prima del sano English humour (non riesco a smettere di pensare al carcerato che chiede tè in cella o al coro dei poliziotti!), poi diviene subitaneamente drammatico, e la sensazione che predomina, almeno per me, è questa a fine visione. Non sono d'accordissimo con parte della critica che lo definisce financo una apologia del poliziotto, in quanto Dearden - peraltro autore tutt'altro che semplicistico ed edulcorato - mette a nudo l'incapacità del bobby, dei sistemi di sicurezza e ne vien fuori una precarietà del quotidiano, un documento, una analisi fattuale del sociale, mettendo in risalto contemporaneamente l'ethos e il timore che essa stessa genera.
Bogarde giovinetto, e già ottimo, costituì un personaggio imitato. Celeberrimo in Inghilterra, considerato il più celebre poliziesco britannico, pellicola tipicamente Ealing, ispirò una serie TV lunghissima ed introvabile, Dixon of Dock Green. Titolo ital.: "I giovani uccidono"; si tramanda che il doppiaggio, vedendosi ampiamente utilizzato, decise di autodisintegrarsi.

Reperibilità: non disponibile su siti di file sharing; tuttavia ne esiste un DVD privo di sottotitoli.

Shorts: Kyvadlo, Jáma A Nadeje (The Pit, The Pendulum and Hope, Jan Svankmajer, 1983)

2008-10-23T19:43:00.006+02:00

Come da titolo, giusto un accenno: uno dei pochi bei lavori brevi di Svankmajer, autore ceco esperto di animazione in stop motion. Paradossalmente in uno dei suoi lavori migliori, l'utilizzo dell'animazione è quasi nullo! E questo mi riporta alla mente un mio convincimento: se Svankmajer avesse puntato sulla finzione, invece che sullo stop motion, avremmo avuto diversi bei lavori in più; un vero peccato.
Comunque, il corto di appena quindici minuti, è filmato in un bianco e nero lubrico e giocato tutto in soggettiva, e come il racconto pre-kafkiano del Poe suggeriva, il volto del protagonista non viene mai svelato. C'è anche un finale a sorpresa, dato che gli ultimi due minuti sono l'adattamento di un racconto breve di Auguste de Villiers de L'Isle-Adam. Questa commessura dei due racconti fornisce l'occasione a Svankmajer di ampliare la topica nervatura pessimistica che contraddistingue la sua opera.

Anche qui lascio i sottotitoli, seppur minimi, applicabili al film!

È Sempre Bel Tempo (It's Always Fair Weather, Stanley Donen, Gene Kelly, 1955)

2008-10-22T11:00:00.004+02:00

Genialmente, D. aggiornava il cinema tramite È sempre bel tempo, tra disincanto di un'America del dopoguerra afflitta, numeri e musiche tra i più fascinosi del genere - ciò vale a dire anche della storia, in quanto il musical è il genere più geniale e metacinematografico -. Il numero dei pattini è indubbiamente tra i più geniali mai pensati; numero, suppongo, proposto da Kelly. D. riusciva, con una mera battuta comica, a rievocare lo sbarco in Normandia (altro che Spielberg...).
Sorvolando sull'aspetto visivo innovativo, dove basta andare a vedere le sovrimpressioni e i triplici intarsi coloratissimi, mi pare ci sia una sottile critica alla pubblicità e all'organo televisivo, che proprio in quegli anni iniziavano ad espandersi. E trovo infatti conferma nel Morandini "mette alla berlina la volgarità demagogica della TV e della pubblicità, la corruzione nel mondo del pugilato". Musiche di prima classe del grande Previn. Capo d'opera indubbio.
"L'eccesso di anticonformismo fu pagato con l'insuccesso commerciale che mise fine al sodalizio tra Donen e Kelly". Insuccesso che trascina ancora seco, oltretutto. Ciò significava anche la fine di uno degli spettacoli artisticamente più interessanti. Rimanendo nel genere, secondo me, Donen superiore anche a Minnelli.
Frattanto, je me souviens un'opera di due anni dopo, il capolavoro kazaniano A face in the Crowd, legato al Donen sia per insuccesso sia per temi: due capisaldi.

1931: Irreal calle

2008-10-18T13:37:00.009+02:00

Street Scene (King Vidor, 1931)

Ambientato quasi esclusivamente davanti a quel portone, uno dei fim più sorprendnenti visti negli ultimi tempi da un precursore di tutto e tutti. Peraltro inedito qui. Commedia che inaspettatamente diviene uno dei film più tragici della storia. La strepitosa apertura servirà ad Allen per il suo Manhattan, anche se nessuno lo dirà mai, anche perché l'hanno visto in duecento al mondo; non è possibile: vedere subito! Ottime musiche gershwiniane che fanno da accompagnamento serafino alle sequenze d'apertura, chiusura e intervallo: come a simboleggiare precipuamente questo, quel Teatro della strada. A livello tecnico siamo al non plus ultra, in quasi ogni sequenza c'è qualcosa di ottimo, a volte innovativo. Mi par di ricordare Razzini che asseriva che il primato del movimento dal basso verso l'alto e passaggio per le finestre, e viceversa, apparteneva ad Angelo, ma Vidor ne firmava un paio sei anni prima.
Voto la prima sequenza tragica tra le prime cinque tecnicamente migliori. Sequenza che riospita genialmente la folla. Folla che torna nella seconda sequenza tragica. Maestro, lui, nel pedinarla con la camera fissa: è un mistero come Vidor riesca - non solo in questo film, sia chiaro - a colmare miracolosamente quello spazio tra occhio della camera e "loro" (una breve distanza), e quindi tra spettatore e "loro" (no, in effetti distante). E senza trucchi e perniciose camere a mano - che mai riusciranno ad ottenere effetti simili - oggidì utilizzate a getto continuo (ogni tanto mi chiedo se facciano a gara).
Vidor metteva giù una tragedia senza importanza; e senza importanza questo film non riuscirà mai, probabilmente, a ritagliarsi il posto che gli spetta. Allora Vidor non può far altro che distanziarsi lentamente dall'esulcerata Sylvia Sidney e chiudere il sipario.

City Streets (Rouben Mamoulian, 1931)

Titolo simile, genere completamente differente, risultato completamente differente. Una delusione, devo ammetterlo, credevo in un gran nero. Piuttosto indeciso in tutti gli aspetti: sul genere da seguire, sui personaggi da mettere in luce, proiettili danzanti senza ragioni sufficienti... Non è un pre-noir, ma tra i fondatori del gangster movie. Tuttavai la buona regia c'è. E come rifiutare l'originale sequenza dell'orologio, i folli inseguimenti del finale, Gary Cooper e Sylvia Sidney?

Silent Japan: Skull (Dokuro, Shirai Sentaro, 1927)

2008-10-16T12:51:00.014+02:00

Di nuovo sul muto giapponese.
Già la trama è assai differente da quelle che allora imperversavano nelle sale: la pellicola analizza il periodo in cui signori e cittadini iniziarono ad abbracciare la religione cristiana, introdotta in Giappone dai Gesuiti a fine '500, mi pare.¹ Accadde, ovviamente, che i "conservatori" videro nel cristianesimo una minaccia: iniziarono così crude repressioni. Shirai decide di narrare le vicisittudini di uno dei signori cristiani; ad interpretarlo, un ottimo Ichikawa Utaemon².

Oltre alla peculiarità delle vicende scelte da ritrarre, temi davvero autoriali e rilevanti, si nota a prima vista la maestria di Shirai nell'uso dei primi piani, dei campi lunghi, del tentativo di non risultare quasi mai melodrammatico e affettato, anzi optando per uno stile acuto, davvero crudo e inusuale (v. finanche le spaventevoli sequenze di lotta nel finale); una sorpresa.
Di solito, non amo le tinte dei muti in quanto spesso alterano il testo, ma la tinta che si è scelta per Dokuro - purtroppo mutilo - è splendida e riesce a restituire alla pellicola logora un'aura claustrale. È il debutto di Shirai nel cinema, cineasta che lasciò davvero poche pellicole dietro di sé: fu costretto ad arruolarsi nell'esercito e perì nel disastro di Hiroshima.

¹Riguardo questo stesso tema, segnalo una pellicola meravigliosa troppo dimenticata, un capolavoro: Silence (Chinmoku, Shinoda Masahiro, 1971).
² Ichikawa Utaemon è stato uno dei più grandi talenti del periodo, uno dei primi ad affermarsi come "stella del cinema". Nel commento del DVD, Sato Tadao, critico e persona squisita, confessa di averlo intervistato poco prima del suo ritiro dall'ambiente cinematografico. Ichikawa proveniva dal teatro kabuki, da cui aveva ereditato dal kabuki la cura estetica, il rigore della forma. Quando Sato gli domandò quale problema lo impegnasse più sul set, rispose "I costumi"! Aveva la peculiarità di non accettare mai ruoli secondari e come molti attori del periodo, prendeva spunto da Douglas Fairbanks e le sue gesta acrobatiche, per le sequenze di combattimento.

Nota sui muti giapponesi e sottotitoli: all'epoca, il muto giapponese si distingueva per la presenza del benshi, un narratore che in tempo reale leggeva i cartelli ed interpretava il film; ebbe molto successo, e ancora oggi ne esistono diversi. Il benshi non si limitava, dunque, a narrare dal vivo la sceneggiatura del regista, bensì ad inventare, improvvisare sezioni considerevoli di dialogo; in breve, col benshi un film muto è in verità sonoro, e viene interpolato!
Per questo, i sottotitoli che sto proponendo (v. The Frightful Era of Kurama Tengu), e proporrò,
manterranno esclusivamente l'originale sceneggiatura dell'autore, ovvero i cartelli. Perciò è consigliabile de-selezionare l'audio!

Sottotitoli italiani Dokuro

Noirish

2008-10-14T13:27:00.010+02:00

Un'introduzione a due neri obliati, ma che in realtà non furono molto visibili neanche all'epoca.
Sul mercato non sono rintracciabili, eccetto il primo in vecchia VHS USA; le copie televisive TCM, comunque, sono ottime.

Murder By Contract (Irving Lerner, 1958)

Un gioviale sicario è in cerca di un lavoro immediato - ed è con tale immediatezza che Lerner catapulta lo spettatore nel vivo dell'azione -. Una volta accettato il contratto "a tempo", spende gran parte di quel tempo a disposizione tra passeggiate e svaghi. Tutto cambierà, una volta entrato in azione, quando scoprirà che la vittima è una donna.
Nero influente, in cui non vale tanto la tecnica registica né l'atmosfera, ma rilevanti lo sono specialmente i tratti dei personaggi: i due complici e soprattutto il protagonista: risoluto e in fondo insicuro, misogino ma sarà proprio una donna a segnarlo. Non si fa gran fatica a notare la somiglianza con alcuni personaggi di Scorsese, Melville (che lo citeranno direttamente) etc. Inusuale anche la colonna sonora che però si intona ottimamente col carattere del protagonista.
Primo, e probabilmente unico, film importante di un autore che girò poco e nulla.
Scorsese ne dirà: "È il film che mi ha più influenzato".

Edge Of The City (Martin Ritt, 1957)

Più che un vero noir, un melodramma nero, ambientato, come recita il titolo, nei sobborghi della città. Sono "ai margini" anche le vicende narrate.
Axel Nordmann (John Cassavetes) trova lavoro come scaricatore in una stazione ferroviaria gestita da due capisquadra: un bianco sfruttatore e razzista (Jack Warden), ed un nero caritativo e cordiale (Sidney Poitier) che diviene presto suo amico.
Almeno due sequenze ottime: lo scontro cruento e soprattutto inopinato tra Warden e Poitier, e l'ultima telefonata di Cassavetes ai genitori. Straordinario Poitier ad inizio carriera, non all'altezza Cassavetes. Nonostante sia pervaso da eccessi melodrammatici, riesce con gli ultimi minuti a divenire una interessante finestra sulla piaga del razzismo e l'altro lato della America, quella che ormai tanti registi provano a descrivere ottenendo raramente buoni risultati. Vedere anche le vigorose sequenze con cui Ritt, all'opera prima, ha voluto ritrarre i legami sentimentali.

Eros Plus Massacre (Erosu Purasu Gyakusatsu, Yoshida Yoshishige, 1969)

2008-10-11T13:24:00.010+02:00

Premetto che trattasi di un'opera talmente complessa, stratificata e lunga che potrei comprendere senza difficoltà qualunque tipo di reazione da parte dello spettatore.

Il 16 settembre 1923, il Giappone era pervaso dal caos provocato dal terribile terremoto del Kanto. Temendo la fuga degli anarchici, una squadra di militari capeggiati da Masahiko Amakasu, arrestò Sakae Osugi, Noe Ito e il nipote di Sakae. Furono poi uccisi empiamente. L'episodio, Amakasu Incident, ebbe grande risonanza e scatenò molte polemiche.

Dopo aver rimembrato quel periodo atroce, il mio entusiasmo per il film si è affievolito. Tuttavia qualcosa intendo scriverla...

Eros Plus Massacre è la riproposizione della vicenda, trasfigurazione della vita di Osugi, del suo menage a trois, la sua anarchia che professava la poligamia, la rivoluzione, la cultura. Fu ad esempio, anche il primo a fondare una scuola per l'Esperanto - la più grande intuizione dell'uomo moderno, che essendo tale "has never been an official language of any recognized country". Viva il vero progresso.

L'altrettanto rivoluzionario Yoshida ne fa uno dei testi più importanti della Nuberu Bagu (da Nouvelle Vague). Importante, eppure tuttora invisibile; tagliato di circa un'ora nei cinema dell'epoca. La visione di Eros Plus Massacre nella sua versione integrale¹ è stata, e rappresenta ancora per molti una barren illusion. David Desser prenderà spunto dal film per realizzare la più celebre introduzione alla Nuberu Bagu: Eros Plus Massacre: An Introduction to the Japanese New Wave Cinema, qui inedita.

Qual è l'intuizione di Yoshida nell'opera Nouvelle Vague più lunga del cinema? È la stessa di Hou: il cinema come collasso, l'interferenza del passato nel tempo recente, e quindi futuro. Non a caso, sempre attuale. Nel dramma - rivoluzionario, erotico, d'amore, di guerra, teatrale, pantomimico -

Osugi, Noe, Itsuko si ritrovano in presenza di giovani del 1969 in preda a prostituzione, filosofie e guarda caso, di nuovo rivoluzione. V'è una vigorosa argomentazione sul cinema, sull'arte visiva, il cinema strutturalista nato ad inizio anni '60. Yoshida discute, al contempo, della possibilità di unire l'estrema mobilità della trama, delle trame, al cinema classico. Ecco di nuovo, allora, la fusione tra musica antica giapponese - molto utilizzata nel cinema classico, quella musica che avrà come esponente numero uno l'indimenticato Takemitsu - e quella dei '60 dalle eco psichedeliche. Da menzionare, allora, lo splendido motivo pensato per il primo incontro tra Noe e la giovane donna. Assolutamente non immune da imperfezioni calligrafiche, prolissità, pantomime outré (v. finale), situazioni panneggiate, è un'opera che merita rispetto per il dipinto equoreo che offre. L'esterno che si ritrova all'interno di un nuovo quadro - sociale, storico, non importa -, poi l'interno in un esterno e così via. Caratteristica che si rifrange fisicamente in un finale fittizio in cui Itsuko, come in un labirinto, apre continuamente porte scorrevoli, perdendosi; pareti rappresentanti una latebra? Pareti che poi cadranno nella fascinosa sequenza successiva.

Lontano dall'elegia suzukiana, dalla ieraticità di un Ichikawa, la filmica di Yoshida è invece assai vicina a Oshima. Il cinema rappresenta il reale? La risposta è nell'explicit: la presentazione degli interpreti sul palcoscenico, in cui essi rimangono imprigionati (il reale resta confinato, in sostituzione del cinema! Qual è la realtà?), mentre i "nuovi" giovani escono dagli studi cinematografici.

- I know that a person has lost their ear between these doors.
- An ear? Then he hears the crying?

Eros + Massacre

¹ La durata dell'edizione integrale è di 217 minuti, non 202.

Ho voluto svolgere una lavoro enorme con i sottotitoli inglesi. Ho sostituito, linea per linea, le battute dell'edizione integrale, tradotta automaticamente tramite programma e quindi pessima, con quella professionale dell'edizione tagliata. Alle parti in eccesso, ho cercato di sopperire con estratti dall'audio e adattamenti da altre traduzioni; purtroppo, alcuni passaggi, circa 40 frasi, restavano incomprensibili, dunque ho cercato di modificarli alla buona.

Finalmente gli spettatori di tutto il mondo potranno godere di quest'opera fluviale con sottotitoli decenti, dato che il mercato sembra non volerne sapere.
Sottotitoli inglesi

Ogata Ken (1937-2008)

2008-10-08T10:42:00.004+02:00

Muore uno dei più grandi di sempre. Che ovviamente era apparso in molti altri film importantissimi non nominati dal giornalista.

Ben Child

Japanese actor Ken Ogata, who starred in a number of films for the great director Shohei Imamura, died of liver cancer on Sunday. He was 71. Ogata is perhaps best known to an international audience for his role in Imamura's The Ballad of Narayama, in which he played a man who, by village tradition, has to leave his elderly mother up a nearby mountain to die; the film won the Palme d'Or and Ogata won the Japanese equivalent of the best actor Oscar in 1984. In total he was nominated 11 times for the gong, winning three times. Other collaborations with Imamura include Vengeance Is Mine (1979), Eijanaika (1981) and Zegen (1987). Born in 1937, he joined a theatrical troupe in 1958; his television role as warlord Hideyoshi in the 1965 period drama Taikoko catapulted him to national attention. Ogata also starred in Peter Greenaway's 1996 drama The Pillow Book and Paul Schrader's 1985 biopic Mishima: A Life in Four Chapters, in which he played the controversial writer Yukio Mishima. A private funeral was due to be held today. His two sons, Kanta and Naoto, also actors, survive him.

English Landscapes: Free Cinema

2008-10-07T13:28:00.011+02:00

Inizio qui una serie di approfondimenti circa il cinema inglese antico e recente, cinema del sublime e particolare, che fin dalla nascita ha trascinato seco, ahimè, un'inspiegabile aura elitaria.

We Are The Lambeth Boys (Karel Reisz, 1958, 48')

Da uno dei maggiori esponenti, e uno dei quattro firmatari, del meraviglioso Free Cinema, purtroppo autore di pochi film, nasceva un mediometraggio in pieno stile free, per l'appunto. E come parte dei documentari del Free Cinema, si focalizzava su tematiche sociali. We Are the Lambeth Boys si focalizzava sul mondo giovanile.
Si osservano le giornate di un gruppo di ragazzi di Lambeth¹ (centro di circa 300.000 abitanti, facente parte di un terrritorio più vasto, che prende il nome di London Borough of Lambeth o Waterloo), durante i loro nice time, durante le ore lavorative, i dibattiti in biblioteca. Reisz lascia loro campo libero, mentre li pedina con la camera, come un bravo documentarista dovrebbe fare, inserendo, dove necessario e a mo' di proemio, una voce narrante. Come dicevo, è un'inchiesta all'interno di confini precipui; per questo, alcuni dei documentari di questo periodo non potranno mai ergersi alla definizione di universale - discorso amplificabile a molti altri documenti -. Sebbene se ne apprezzi indubbiamente l'ottima fattura - la fotografia è curata da uno dei maestri del dopoguerra, Walter Lassally -, la pellicola porta seco testimonianze d'interesse sociologico e storico, più che cinematografico; resta, quindi, una opera rilevante per tracciare i confini di quel movimento.

¹ Lambeth fu resa celebre anche grazie a The Lambeth Walk, brano di un apprezzato musical di fine anni '30.

La Ragazza Dagli Occhi Verdi (Girl With Green Eyes, Desmond Davis, 1964, 89')

Ascrivibile al medesimo movimento cinematografico è l'opera prima di Desmond Davis, allora cineasta proveniente dalla TV e che, in séguito, continuerà a dedicare poco tempo al cinema vero e proprio. La ragazza dagli occhi verdi è Rita Tushingham, spesso definita a ragione "bruttina fascinosa" e simili, attrice dotata d'un raro talento: la naturalezza. Per la sua aria melanconica e qualità attoriali, sarà chiamata ad interpretare diversi ruoli importanti nel corso dei '60. E Davis, che sicuramente aveva visto A Taste of Honey, pellicola d'esordio per lei, scelse di affidarle un ruolo simile; con le opportune variazioni, s'intende. Ragazza semplice, di educazione cristiana e infanzia in un convento, trascorre il suo tempo esattamente come i ragazzi di Lambeth. Peter Finch, in veste di scrittore disilluso e divorziato, rappresenterà per lei l'illusione del cambiamento. Girato grazie alla Woodfall, casa fondata dal maestro Richardson, lo sceneggiatore John Osborne ed il produttore Harry Saltzman; prodotto dallo stesso Richardson; musicato da John Addison, non a caso colui che si occupò anche del commento musicale in A Taste of Honey.
Ne vien fuori un tipico film agrodolce inglese che vanta, oltre all'ottimo b/n e l'elegante finitura, uno studio entomologico delle silhuoette in esso ritratte, un rigore psicologico che soltanto a tratti è guastato da eccessi romanzeschi.

Disponibile da poco anche la riproduzione del poster originale:

Chronopolis (Piotr Kamler, 1983)

2008-10-05T23:17:00.017+02:00

Piotr Kamler... Chi? Kamler (1936 - ) è un animatore polacco, che lavorò fondamentalmente in Francia, avvalendosi spesso, per il commento musicale, di Bernard Parmegiani, l'esponente più rilevante della musicale elettronica francese. L'opera prima è datata 1961 e durante la decade, fu molto attivo. Da metà anni '70 fino a metà '80, se ne perdono le tracce: è in questo periodo che realizza il suo primo e unico lungometraggio, Chronopolis. Presentato inizialmente con una durata di 62 minuti, fu ridotto a 52 dallo stesso autore nel 1988. Il nuovo testo, naturalmente, presentava dei mutamenti radicali; il più significativo fu l'eliminazione del narratore .¹

Così facendo, Chronopolis divenne film muto musicato; in sostituzione della narrazione, l'autore optò per una sola didascalia:

Non vi sono prove a sufficienza della non esistenza della città di Chronopolis. Al contrario, i sogni ed i manoscritti sono concordi nell'affermare che la storia della città sia una storia di eternità e desiderio. I suoi abitanti, ieratici ed impassibili, hanno come sola occupazione e come solo piacere, quello di comporre il tempo. Nonostante la monotonia dell'immortalità, essi vivono in attesa; un rilevante evento dovrà manifestarsi durante l'incontro tra un peculiare istante ed un essere umano. Ora, quell'atteso istante sta preparandosi...

Non ho intenzione di svelare molto, è talmente breve e inusuale... essendo oltretutto un'opera che dovrebbe destare curiosità immediata da pochi cenni. Ciò che, a grandi linee, possiamo affermare è che non si tratta certo di un capolavoro, e che cionononostante, mantiene e sviluppa indubbiamente una profonda inquietudine.

Allego i sottotitoli applicabili al video, in caso servisse.

¹ Non avendo potuto visionare l'edizione da 62 minuti, non possiamo sapere quanto questa modifica sia stata rilevante.

Il Ritratto Di Jennie (Portrait of Jennie, William Dieterle, 1948)

2008-09-30T12:05:00.006+02:00

Geniale e piuttosto colto, a partire dalle citazioni e i temi, arrivando allo stile fine e artistico. Dieterle inventava un film fantastico à la Avvenne Domani, sospeso nel tempo, e mentre lì il futuro era preconizzato da un giornale del giorno dopo, a svolgere la medesima funzione qui è un dipinto di un pelago.
Immagini che divengono dipinti sullo schermo (v. fig. 1) che a differenza dell'immagine nitida, è retinata; l'attimo di eternità in verde; poi il rosso e il dipinto finale a colori. Da notare, oltretutto, la sequenza delle scale palesamente ripresa da Hitchock anche dal punto di vista tecnico probabilmente, anche se il movimento di Vertigo è, come da titolo, più vorticoso.

E come tutte le grandi cose dei '40, venne criticato a torto da alcuni, come dimostrano questi stralci di recensione di Ennio Flaiano:

C’è ancora qualche pittore, oggi, che insegua la Bellezza nelle sue forme tradizionali, quella femminile? O non viviamo tra artisti decisi a «emancipare la geometria» e che alla Fornarina preferiscono le equazioni per il calcolo della resistenza del vento sulle superfici curve? [...] Insomma, i buoni pittori moderni non aspettano l’ispirazione, sanno che il genio è pazienza, che l’Arte va tenuta in continua riparazione. Dieterle ha invece conservato sull’Artista tutte le idee convenzionali della buona società del secolo scorso, e perciò il suo personaggio è fallito in partenza. Come i suoi eroi, anche egli vive fuori del Tempo.

Periodo finale che, peraltro, ne denota l'erronea e sofistica interpretazione, dato che Dieterle intendeva precipuamente realizzare un'opera fuori dal tempo, alla ricerca di un frammento di eternità. E Jennifer Jones rappresenta lo spettro, la barren illusion, di questa ricerca; personifica l'ispirazione artistica, o ancora meglio, la bellezza dell'arte di un istante che diverrà eterna (il miracolo dell'arte), che essendo sempre sfuggevole, è illusione. Un'apologia dell'arte, a cui si può rimproverare un eccesso di mélo.

Studio Ghibli's Videogame

2008-09-29T20:24:00.006+02:00

Non ho parole. Non ho parole. Apprendo da siti inglesi che:

I can't say that I'm much a of video game enthusiast, but this is news that definitely has crossover potential for me and a lot of you Japanese film fans. Ghibli World has got the scoop on the video game "Ni no Kuni: The Another World" that has Studio Ghibli has designed in conjunction with game company Level-5 to commemorate their 10th anniversary. The game takes a young boy through a series of adventures in a magical world and Ghibli World and Japanese site Kotaku.com have scored a gallery of screencaps from it. Looks impressive, but gamers will have to wait until next year before giving this one a try.

Lilith (Robert Rossen, 1964)

2008-09-29T12:19:00.015+02:00

Un reduce di guerra si aggira nei labirintici vicoli di una apparentemente splendida villa in cerca di qualcosa: un posto di lavoro fisso... La villà è un istituto d'igiene mentale. Come testé menzionavo, "apparentemente splendida", una superficie ch'asconde tutt'altro che splendide verità. È uno stilema antifrastico che ritornerà più volte nel corso della pellicola, a partire dai volti splendidi dei giovani Warren Beatty e Jean Seberg, arrivando alle ambientazioni edeniche e sempre irradiate da un fervido lucore, come ad ingannare l'occhio, come ad ingannare la mente. La mente: nucleo instabile, incomprensibile, in costante mutamento e sdoppiamento.
Lilith¹ si osserva come fosse una naiade, nel quieto, brumale lago, specchio che restituisce una metà differente, doppia (oppure la stessa?); si osserva nel corso d'acqua mai immobile, transeunte. Allora l'acqua come la mente. Acqua che ritorna sotto forma di pioggia, simbolo di turbamento interiore, simbolo di empiti anch'essi in continua metamorfosi. Vincent Bruce, già esulcerato dalla guerra, percepisce questa metamorfosi, s'accorge che a poco a poco sta perdendosi, abbandonandosi al fluire del tempo, dunque dell'acqua, dunque della mente. L'innamoramento della schizofrenica naiade², Lilith, provoca in esso una profonda crisi e un'idropisia³ del desiderio nei confronti della silfide (a proposito di idropisia: dal greco ydro, acqua...). Allora, la macchina da presa, testimone del folle legame, osserva prima in lontananza, poi in primo piano, poi in primissimo: in pochi istanti ci si trova catapultati di nuovo in un dialogo psicologico, poco importa se esso sarà tacito o no. Lilith, tramautizzata da parte sua dalla perdita di un familiare, afferma di amare ogni essere: Vincent la scopre in un capanno con una paziente, durante effusioni. L'ira si fa incredibilmente vigorosa nella mente di Vincent, tanto da portarlo a commettere gesti del tutto inadeguati al suo carattere, a conferma del suo smarrimento. La fotografia di Lilith accanto a quella della madre di Vincent, molto simili tra loro: si scoprirà che anch'essa era affetta da malattia mentale... Spaventa quanto questo poco considerato Lilith nasconda complessità ed inquietudini, ancor di più se si guarda l'anno di produzione. Pellicola transitoria come ciò che rappresenta: folle lucidità, lucida follia, confine assai labile. E Vincent, prima assistente dell'istituto, ora natante nel medesimo specchio della naiade, si ripresenterà alla porta, stavolta perduto: "Help me".

¹ Lilith è un dèmone di sembianze femminili delle religioni mesopotamiche, in genere associato alla tempesta, e ritenuto portatore di sventura e morte. Tuttavia, non ritengo abbia precipui legami con il testo in questione.
² Schizofrenica naiade: inquietante ossimoro, in quanto le naiadi sono ab aeterno dipinte come creature lucide e divine.
³Avidità.

Odds Against Tomorrow (Robert Wise, 1959)

2008-09-27T12:33:00.016+02:00

Earle Slater, un veterano disilluso e razzista, si avvia all'entrata di un hotel, familiarizzando con una bambina nera prima (si osserverà in séguito come questo sia del tutto inusuale da parte sua), diventando rude con il proprietario dell'hotel poi. Earl Slater: ad intepretarlo, il magnifico Robert Ryan. È il principio della imprevedibile vicenda che vedrà protagonisti anche Johnny Ingram (Harry Belafonte) e Dave Burke (Ed Begley), il primo, cantante jazz insicuro e folle scommettitore, il secondo, un ex-poliziotto che tenta di assicurarsi un futuro e uno svago dalla monotona vita.
Già qui, si ripropone il concetto espresso genialmente nel titolo "Odds Against Tomorrow", un'evidente concisione del Maestro; coincisione propria del cineasta, e che dunque si rifrangerà anche in questo splendido nero. Mentre Ingram è in debito per via delle sue scommesse e nel frattempo si trova a gestire un traffico umano - la famiglia - in costante crisi - e allora si vedano le splendide sequenze in Central Park e i brevi attimi filmati, vissuti in casa -, Slater fa i conti con una relazione extra-coniugale, il suo carattere

recalcitrante e a volte neghittoso, ineluttabilmente in partenza perpetua ("I've been leaving all my life... since when I can first remember. I'd start something, if it didn't work right away, I'd blow it.").

Il tratto stilistico che più possiede originalità e merito è il costante mantenimento dei toni a livello subcosciente, non si riescono a stabilire contatti empatici con una determinata situazione; eppure la presenza al di qua dello schermo avverte dei mutamenti minimi, percepisce un fluire della materia filmica in continuo mutamento. Svolgimento epigrammatico eppure concettoso, come a gettare lo spettatore in un deliquio. Tratto straordinario mantenuto financo nelle ambientazioni, ottimamente fotografate da Joseph C. Brun (perché non tornare al b/w una volta per tutte?...), prima urbane (fig. 1, 5, 8), poi campestri e quasi orrorifiche (fig. 2, 3), e nuovamente, radicalmente, collegate fra loro, anch'esse atte a costituire un continuum in crescendo.

Svolgimento in fieri che si ha grazie alla colonna musicale dell'inclito jazzer John Lewis, e con l'attuazione del piano: una semplice triviale rapina in banca, che si risolverà in uno dei finali più compiuti e fascinosi della storia - il finale nel finale è un prestito da un capolavoro, White Heat (1949) -. Finale che, a mio avviso, viene reso persino in miglior modo dell'opera summentovata, donandogli più pregnanza: come far deflagrare metaforicamente l'odio razziale? Chiedete a Wise.

Ichikawa Jun (1948-2008)

2008-09-20T13:21:00.004+02:00

Japanese director Jun Ichikawa dies at 59

Jason Gray in Tokyo
19 Sep 2008 14:11

Japanese film director Jun Ichikawa has died at aged 59, local media has reported.
According to Ichikawa's office, he passed away suddenly in the early hours of Sept 19. He collapsed during a late night meal after working on the editing of his latest film, Buy A Suit.
The news comes only one day after it was announced that the 47-minute self-produced film would have its world premiere at the 21st Tokyo International Film Festival, in the Japanese Eyes program.

Born in Fuchu City (Tokyo) in 1948, Ichikawa began his career as a TV commercial director for various well-known Japanese brands before making his feature film debut with high school drama Bu Su in 1987. He went on to direct twenty films including: Tsugumi; Dying At A Hospital; Ryoma's Wife, Her Husband and Her Lover; Osaka Story; and Tokyo Marigold.

Ichikawa is perhaps best known for 1997's Tokyo Lullaby, which won Best Director at the Montreal World Film Festival and 2004's adaptation of Haruki Murakami's short story Tony Takitani, which competed at the Locarno International Film Festival, winning the Special Jury Prize and FIPRESCI award.

The Devil and Daniel Webster (William Dieterle, 1941)

2008-09-18T13:13:00.004+02:00

"C'era una volta... un modesto contadino, felicemente sposato che conduceva una vita lieta e ricolma di soddisfazioni, finché il fato inizia a metterci del suo. A salvarlo dalle oppressioni della vita, sarà un generoso sconosciuto il quale offre monete d'oro in cambio di una firma col sangue..." Potrei iniziare una fiaba in tal guisa!... Ed è proprio ciò che è The Devil and Daniel Webster, una fiaba dai risvolti autoriali; pochi ci riuscirono. Proporre una storia - celeberrima in USA - e narrarla con verecondia, come fosse nulla. Persino "lo sconosciuto", che il magnifico Walter Huston propone come uno dei personaggi più affascinanti della storia, appare più un compagno di giochi caritativo che un dèmone stigio. Se si aggiunge una splendida fotografia brumale, Bernard Herrmann e personaggi di contorno deliziosi, si ha un ottimo prodotto. Da sottolineare gli effetti speciali (Ah! il figmento!) con cui il maestro Dieterle rappresenta le presenze fantasmatiche espressioniste, sfocandole, o con cui sovrappone chimicamente il volto del protagonista con quello di Huston. Riguardo la colonna sonora di Herrmann, si nota, verso il minuto 34, anche una parte del motivo che Herrmann stesso riprenderà per il tema più bello di Vertigo. Indubbiamente, una frase a cui era sovente ispirarsi.
Un classico obliato da riscoprire in fretta!

Sette Giorni A Maggio (Seven Days In May, John Frankenheimer, 1964)

2008-09-08T17:33:00.007+02:00

Un egocentrico capo maggiore complotta un colpo di Stato servendosi di una segreta base militare e di numerosi contatti all'interno degli organi politici. Lancaster è l'invisibile guerrafondaio, March il debole presidente. Non comprendo, ogni volta che ci penso, cosa stiano attendendo i distributori italiani a mettere sul mercato i vecchi film del maestro Frankenheimer. E d'accordo che il mercato italiano è tra i peggiori al mondo, ma "ogni limite ha un pazienza" diceva qualcuno. Anche perché non stiamo parlando di semisconosciuti come Shepitko o Kinoshita, ma Frankenheimer. Uno che ebbe la fortuna di annoverare migliaia di appassionati anche girando a volte film poco accessibili. Uno che ha creato la fantapolitica, le sequenze d'azione più belle del mondo, uno che neanche dopo tre mesi dell'omicidio di Kennedy faceva uscire in sala "Sette Giorni a Maggio"... l'anno prima già aveva girato l'altro capostipite fantapolitico "The Manchurian Candidate"... un veggente? Forse. Ma soprattutto un eroe, e uno che nel cinema sapeva com esprimersi. Talmente attaccato ad un'idea di "onore" e "loyalty" da farlo trapelare in ogni minuto del suo cinema, cinema stillante vigore. Poi, certo, quando si hanno dialoghi e una fanteria del genere, il compito diventa eccellente. Giusto per concludere:

Fredric March
Burt Lancaster
Kirk Douglas
Martin Balsam
Ava Gardner
Edmond O'Brien

Regia:John Frankenheimer
Fotografia: Ellsworth Fredericks
Musiche: Jerry Goldsmith

...

The Ascent (Voskhozhdeniye, Larisa Shepitko, 1977)

2008-09-06T16:27:00.004+02:00

Semplicemente, la vicenda di due partigiani alla ricerca di cibo, della salvazione; ricerca di una salvazione che diverrà poi anche spirituale. Parte da qui, Shepitko, per costruire un'opera destabilizzante come rare volte si è visto nel cinema di guerra. Squisitamente russo, questo racconto intimista dostoevskijano, è diviso quasi nettamente in due parti: il viaggio e la prigionia. Indubbiamente più elevata la prima, che principia con una lotta, mentre scorrono i titoli di testa quasi ricoprendola: oltraggio! Viaggio tra le nevi bianchissime anonime, fisse nel tempo, senza tempo. La camera a mano che segue strisciando - molto difficoltosi i movimenti della macchina - le due anime; Shepitko utilizza la camera per inglobare i movimenti sincopati dei due esulcerati in una inquadratura quadro riquadro, come a volere immobilizzare questa estrema mobilità in questo tempo immobile: il quadro in cui è condensata l'intera epopea dei fuggiaschi. E quando il quadro viene ampliato, come accadrà nella cella, l'ansito si dilegua, è l'occorrenza di un nuovo evento, sebbene gli altri personaggi a confronto sembrano mere figure ancillari. E l'occhio della camera lì, prima nell'insistere sui volti biblici, poi nel divenire, durante il fuoco, esso stesso occhio che spara: L'occhio Che Uccide. Shepitko riesce a dipingere una pugna vereconda. Pugna vereconda, quale ossimoro! Sarà il suo l'ultimo film; perirà due anni dopo in un incidente. E, dunque, The Ascent, l'ascesa, ascent-ico, ascetico, è anche la sua di ascesa: anche se a sua insaputa.

Fiend Without a Face (Arthur Crabtree, 1958)

2008-09-06T12:45:00.004+02:00

Inedito in Italia, diretto da un mediocre regista inglese, Crabtree - già il cognome, "Alberogranchio"... - e che fa parte delle pellicole di quegli anni in cui s'andava materializzando il cinema del futuro, quelle pellicole fantascientifiche, orrorifiche che daranno vita a tutti quegli elementi dei film a basso costo che verranno riproposti spesso in seguito da maestri e non (cfr. ad esempio, tra i recensiti, The Living Skeleton).
Ambientato in un Canada del dopoguerra, fa perno sul pericolo nucleare incombente: creature invisibili generate da esperimenti atomici, che, tramite due fori vampireschi sul collo, estraggono il cervello del malcapitato. Peccato che eccettuate poche sequenze, la pellicola non sia naturalmente gran cosa a partire dai dialoghi insipidi - probabilmente la frase più ricorrente è "Would you like to drink?" -, passando per il legame amoroso e le imbarazzanti pretese autoriali ed effetti speciali del finale, quando il nemico si fa visibile.
"They're becoming visible!".

Estratto:

Sacrificed Youth (Qing chun ji, Zhang Nuanxing, 1985)

2008-09-05T18:59:00.006+02:00

Volevo far affiorare questa vecchia visione in superficie sia perché è una rarità assoluta sia perché è validissima.
Durante la Rivoluzione Culturale, un gruppo di studenti di Beijing viene inviato a lavorare nella provincia dello Yunnan, in un villaggio abitato dalla minoranza etnica dei Dai. Li Chun, protagonista del racconto cinematografico, inizialmente perplessa dal folclore, giungerà ad apprezzarne col tempo le sfumature, a metabolizzarle e a farle proprie, fino a sviluppare un animo rinnovato.
Classificatosi tra i primi dieci film cinesi degli anni '80 e ampiamente riconosciuto come uno dei più rilevanti in assoluto. Possiede uno stile similare a quello del Fei Mu, commescendo il verso romanzato all'opera filmica. Zhang smembra l'opera come l'animo dello spettatore, prima incedendo con incertezza, poi trasmutando quest'ultima in vigorosi empiti emozionali.
A proposito di Zhang:
Nel 1979, Zhang e suo marito, il critico cinematografico Li Tuo, pubblicarono "The Modernization of Film Language", che trattava della modernizzazione del linguaggio filmico cinese, e questo articolo ben influenzò un discreto numero di registi della quinta generazione cinese: Zhang Yimou, Tian Zhuangzhuang, Li Shaohong, tra i primi. Quasi la totalità dei registi della quinta generazione furono suoi studenti nell'Accademia di Cinematografia di Beijing.
Dal suo esordio nel 1981, girò solamente quattro opere, per poi morire a soli 55 anni di cancro.

Sottotitoli italiani:
http://subscene.com/Sacrificed-youth/subtitles-73522.aspx
Non ne esiste un DVD, per cui l'edizione reperibile ha media qualità, essendo una registrazione televisiva.

The Frightful Era of Kurama Tengu (Kurama tengu - Kyôfu jidai, Yamaguchi Teppei, 1928)

2008-09-03T19:43:00.008+02:00

Di nuovo al cinema muto nipponico da collezione, stavolta un chanbara d'intrattenimento facente parte di una lunga serie. Mediometraggio che accomuna stilemi del chanbara, dell'avventura, dello slapstick. Trama piuttosto comune a quel periodo e genere di pellicole per il pubblico - non siamo in territorio autoriale -, epperò ancora una volta credibile, prevedibile e stupefacente nell sua prevedibilità che permea la vicenda dell'eroe popolare Kurama Tengu, sempre pronto ad ergersi difensore del popolo. C'è anche una sequenza di stampo orrorifico, ma si rivela presto una delusione tutt'altro che orrorifica.
Sottotitoli italiani:
http://www.opensubtitles.org/it/subtitles/3330104/kurama-tengu-kyofu-jidai-it

Time After Time (L'uomo Venuto Dall'impossibile, Nicholas Meyer, 1979)

2008-09-03T18:58:00.003+02:00

Fantascienza statunitense, interpreti inglesi, H.G. Wells, colonna sonora maestosa di Rosza, colonna - sonora- portante del cinema anni '40 hollywoodiano: tra le più perfette di quegli anni. L'incipit è già una citazione: il protagonista di cui non viene mostrato il volto: Dark Passage (La fuga, 1947), quel film sublime in cui il volto di Bogey non viene mostrato per venti minuti. Stavolta il non-mostrato è quello di Jack lo Squartatore (- "Come ti chiami? -"John... Jack, per gli amici!") nel mentre compie il suo sadico delitto. Squartatore interpretato dal gigante David Warner, che quasi esclusivamente gli anglofili ricorderanno per ruoli poco importanti negli anni '70. Purtroppo non ebbe mai un ruolo davvero considerevole, un gran peccato. Allora, si passa nell'abitazione di H.G. Wells in persona mentre sta intrattenendo scienziati con la sua nuova invenzione: una macchina del tempo. Sembra "The time machine", quasi lo è, altra citazione palese. Mescola Freud, investigazione, H.G Wells, impersonato da McDowell (sempre straordinario questo attore nei ruoli ironici), passando per un giornale anteriore che prevede la morte della ragazza (Avvenne Domani, René Clair). La pellicola: sempre in metamorfosi, vivacemente aggrappata al mistico fascino del tempo, per arrivare all'atemporalità e stratificazione del Male. A proposito dell'atemporalità e della doppiezza: la corsa sul Golden Gate Bridge e la visita al Parco: Vertigo, il film atemporale e doppio per antonomasia... E allora, chiudendo gli occhi riguardo una frase di una trivialità disarmante nel finale, il film il suo posto nella valida fantascienza se lo guadagna.

Fighting Friends (Wasei kenka tomodachi - Ozu Yasujiro, 1929)

2008-09-02T18:12:00.004+02:00

Uno dei pochi corti del maestro giuntici forse nella sua interezza, attestano le fonti (ne siamo sicuri? O era originariamente un lungometraggio?). Quattordici minuti di Ozu non vanno mai rifiutati, comunque. Questa vereconda commedia fortemente chapliniana, come diversi suoi lavori di gioventù, che però rivela già tratti registici del futuro Ozu, narra la vicenda di due amici della vita, coinquilini; tutto perfetto sinché non entra in gioco l'abituale personaggio femminile. Non rientra certamente nei suoi migliori e va considerato solamente come tappa di una carriera in evoluzione.
Sottotitoli italiani:
http://subscene.com/Wasei-kenka-tomodachi/subtitles-73483.aspx